MUSA DORADA - habla Liliana Lagardé

(Tomado del blog Secuencia Inicial)

Para el imaginario del rock, la figura de Liliana Lagardé está asociada a la de David Lebón, no solo por haber sido su pareja sino también por ser coautora de varios de los primeros temas del Ruso, cuando se hizo solista editando un disco espectacular en 1973. Sin embargo, la sinuosa vida de Liliana no se agota en ese vínculo, ya que, está llena de anécdotas y recuerdos. Además, el suyo es un testimonio de valentía y decisión. En este reportaje, nos cuenta acerca de sus experiencias, como testigo privilegiada de los dimes y diretes de esa época primigenia de nuestro rock; de su vida posterior en los Estados Unidos y su actividad actual como consejera en terapias en tratamientos contra las adicciones.

Por Emiliano Acevedo.-

TE ESPERO EN LA PLATA

Los primeros años de la vida de Liliana transcurrieron en la ciudad de las diagonales, en donde empezó a vincularse con la música: “Nací y estudié en La Plata. Mi viejo tocaba el bandoneón y cuando tenía 6 años me mandaron a lecciones de guitarra y piano. Aprendí un poco, lo básico, y dejé”.

¿Cuáles son tus primeros recuerdos vinculados a la música?

Me parece que vienen de una familia que vivía a la vuelta de mi casa. Me acuerdo de que esos vecinos escuchaban mucha música de Gene Krupa, Elvis, y Ray Charles…

¿Cuáles eran tus discos y artistas preferidos?

Cuando escuchaba a Ray, me hipnotizaba su música. Me llegaba al corazón

¿Qué recordás de la época comprendida entre fines de los años ´60 y comienzos de los ´70?

En el ´68 o ´69 me fuí a Río y conocí la música de Hendrix. Luego el escuchar a Santana directamente me voló la cabeza.

¿Qué fue lo que más te atrajo de la escena del rock de esa época?

La libertad de expresión que tenía toda esa movida, y el poder de protestar, en oposición contra de la ignorancia y las mentiras.

¿Cuáles son tus artistas de rock argentino preferidos?

Muchos, en especial Manal.

ROCK DEL CORAZÓN

Liliana era habitué de la escena rock desde antes de empezar su pareja con David Lebón, ya que, había sido novia de Juan Carlos Iturbide, un cantante soulero que tenía un estilo similar al de Joe Cocker. Iturbide lideraba el trío Galleta, en donde, además de soul, interpretaba un repertorio lleno de funk y covers de clásicos como "Georgia on my mind" (de Ray Charles) o el potente "Jailbreak Rock". En 1971 el trío realiza un disco, en donde colabora Liliana haciendo coros.

¿Cuándo conociste a David Lebón?

Yo lo conocí a David, viéndolo tocar en un show de Pescado Rabioso. Me acuerdo que él tenía puesto un vestido largo y, apenas lo ví, le dije a una amiga que estaba conmigo: “Me quiero casar con el…” Y así fue… (risas)

¿Te empezaste a interesar por la movida en La Plata o ya estando en Buenos Aires?

Me acuerdo de que, a veces, los grupos iban a tocar a La Plata y yo ya estaba enamorada del blues. Y por eso iba a ver muchos conciertos. Luego, David me llevo a Baires. Antes de eso, tuvo que venir a mi casa a pedirle permiso a mi mamá… (risas)

TOCAR Y NO MOLESTAR

A principios de 1973, se separa Pescado Rabioso. Según contó Lebón: "En esa época conocí a Liliana Lagardé, me enamoré y como yo estaba todo el día con ella y no iba a los ensayos; Luis, que vivía conmigo, se fue de mi casa y volvió con sus viejos a su casa de Arribeños. Nunca hablamos de eso, pero debe haber sido una de las tantas causas del fin de Pescado. Con ella, yo compuse las letras de mi debut solista. Ya quería volverme simple, no ser tan complicado. No me considero un poeta, trato de contar las cosas que me pasan lo más simplemente posible y hacer mi psicoanálisis así. En "Casa de Arañas", ya nombraba al "Gran Dueño del Mundo" porque necesitaba conectarme con Dios. En este disco empiezo a dividirme entre baladas y rocks." En ese primer álbum, David grabaría un tema dedicado a Spinetta, “Tema Para Luis”, casi una carta abierta en donde le comentaba sus sensaciones: “Hice esa canción porque siempre admiré a Luis y me sentí mal cuando la gente creyó que yo tocaba con él para aprovecharme de la situación y obtener fama a toda costa.” (Declaración de Lebón extraída del Libro “Spinetta, Crónica e Iluminaciones” de Eduardo Berti) Hoy, Lagardé nos aporta su visión acerca de la separación de Pescado Rabioso: “Hay que tener en cuenta, principalmente, de que la gente cambia, y además (no te olvidés) que David era guitarrista y quería tocar la guitarra”.

TENGO QUE SEGUIR…

La génesis de ese primer disco comenzó cuando David participa en algunas sesiones de grabación de La Pesada y, como parte de pago, el productor Jorge Álvarez y Billy Bond le ofrecen grabar una placa solista. Una vez editado, David Lebón sería un disco lleno de lirismo, blues, rock e inspiración; sin dudas, una de las mejores producciones de la época dorada del rock argentino. Un álbum en el que quedaron registradas verdaderas joyas, clásicos como “Hombre de Mala Sangre”, “Dos edificios dorados” -compuestos junto a Liliana-, “32 Macetas” y el hermoso “Casa de arañas”. Si bien Lebón toca casi todos los instrumentos participaron también de la grabación, en calidad de invitados, Pappo (tocando piano en "Treinta y dos macetas"), Alejandro Medina (bajo), Isa Portugheis (batería), Black Amaya (batería), Charly García (teclados) y (el guitarrista de jazz) Walter Malosetti. Los temas fueron, casi todos, compuestos y grabados en una sola semana. Sus nombres ("Envases de Todo", “Nube Cien”, "Te Cubrirás de Soledad", “Copado con el Diablo”) tenían muy poco que ver con la letra. Esto fue así porque aun regía una rígida norma a la hora de registrar los nombres de las composiciones: no se podían utilizar nombres que llevaran a confusión con canciones ya registradas. SADAIC no permitía la edición de dos temas con un mismo título, una disposición derogada hace un par de años. Según Charly: "Yo acompañe a Liliana a registrar los nombres de los temas, que tenían otros títulos y no se lo permitieron porque varios ya estaban registrados. Le empezaron a rebotar todos los nombres. Así que me dijo: “¿Qué le pongo?” Dijimos de ponerle un titulo totalmente delirante, y quedó ese (se refiere a “Dos Edificios Dorados”)”.

¿Cómo se forma tu binomio compositivo junto a David? ¿Por qué se les ocurrió componer juntos?

Fue natural, éramos una familia y yo estaba embarazada de Tay. Había mucha inspiración en ese tiempo.

Siempre se dijo que la letra del tema “Hombre de Mala Sangre” hablaba acerca de la necesidad de alejarse de las drogas, ¿esa fue la idea cuando lo compusieron?

En esa época no consumíamos drogas, o muy poco. En realidad, David hablaba de la ignorancia en este mundo y acerca de la posibilidad de aprender y entender de qué trata la vida.

¿Qué nos podrías contar de la composición de “Dos Edificios Dorados”?

David y yo éramos los edificios dorados, brillantes, llenos de misterio y con mucho para ofrecer

¿Te acordás el porque de la letra de “Casa de Arañas”?

Cuando uno se ilumina interiormente, ya no hay más miedo. La letra se refería a que hasta las cosas malas a veces son buenas, por que te enseñan una lección. Por eso lo de “hasta las arañas me cuidan”…

¿Cuál es tu opinión acerca del trabajo actual de David?

Es muy bueno, me gustó mucho (su último disco) Déjà Vu. Pero creo que él puede hacer mucho más.

¿Además de tu participación en este disco, con que otros artistas colaboraste?

Con el trío Galleta, Lila y La Banda del Amor (junto a David), Avalancha, y Polifemo. También hice algunas voces para La Pesada.

Decinos algunas palabras acerca de la figura de tu amigo, el inolvidable Pappo

¿Me pregunto como saben que yo era amiga de Pappo? Nunca me voy a olvidar de cuando me visitaba con todo su entorno. Comían y se dormían en el piso o debajo de la mesa…Y Pappo tiraba ropa por la ventana. Fue en mi casa de Pueyrredón.

PASADO Y PRESENTE DE UNA VIDA DE NOVELA

Luego de su separación de David, Liliana viajó a los Estados Unidos y terminó instalándose allí: “Vine de pasada a New York, en 1979, pero Ada (Moreno, que había sido mujer de Billy Bond) ya estaba acá, y así empezamos proyectos, diseñamos y producimos zapatos, ropa, etc. Después llego The Clash a tocar en Bonds y yo conocía al productor. Este me hizo entrar todas las noches a ver los shows y al back stage. Hasta llegué a cantar con ellos, haciéndoles coros. Fue mágico”.

¿Luego hiciste algo vinculado a la música en los ´80?

Sólo en estudio. No mucho, más cuando probé drogas. El consumo me consumió totalmente. (sic) No podía hacer nada más que usar drogas.

¿Cómo es tu vida hoy en USA? ¿A qué te dedicas y cuáles son tus proyectos a futuro?

Mi vida en este momento es hermosa. Tengo mi propia casa en Brooklyn y Tay vive conmigo. Mis fans me escriben, me quieren. Me interesé mucho en todo lo que se refiere a las adicciones, ya que yo también estuve en recuperación. Hace ya 10 años que no consumo. Por eso me dediqué a estudiar todo lo referente a esa enfermedad. Ahora trabajo de consejera en terapias para el abuso de substancias.

Aparte de ser consejera en adiciones, ¿qué otras actividades realizas?

Llevo una vida muy tranquila, tengo mi propia casa, inquilinos (uno de ellos es mi hijo), 4 perros y 2 gatos... Por suerte tengo bastante trabajo. Hace poco David me mandó un tema para que le ponga letra. También colecciono antigüedades. Entre mis proyectos, hay uno de larga data y que me gustaría mucho poder realizar: escribir un libro acerca de mi vida... Estoy viva por pura gracia.

¿Cómo hiciste para recuperarte de tus adicciones?

Estuve 28 días internada. La verdad que sí, fue muy duro. La droga no sólo te mata, si no que también te mata la forma de vivir. Solamente 3 de cada 100 adictos se recuperan. Lo que me pasó a mí es un milagro. Ahora llevo una vida muy sana, soy vegetariana orgánica, ni siquiera fumo. Estoy orgullosa de estar limpia y me gustaría que este mensaje acerca de lo que me ocurrió a mí les llegue a todos. Porque ningún adicto se tiene que morir por esta enfermedad. Hay muchos recursos para recuperarse, hoy en día.

Nos dijiste que estás viviendo con tu hijo, ¿a qué se dedica Tayda?

Es uno de los más importantes tatuadores en New York. Hace tatoo artístico. Pasó un par de días con Emme, ella estuvo acá hace poco y nos visitó. Son re amigos, hasta cantaron juntos.

¿Cómo se ve a la Argentina viviendo en el extranjero?

Lo que te puedo decir es que, cuando llego a Baires, me ponen muy triste las familias que viven en la calle.

Cada vez que regresas al país, ¿Sos de reencontrarte con viejos amigos del rock de los ´70?

Sí. Es muy emocionante encontrarme con Black, Pedro y todos los músicos que tocaron con Luis. Todos son mis amigos del alma. Vine a ver el concierto de Las Bandas Eternas, de homenaje a Luis, y estuvo bárbaro. Vengo una vez por año a la Argentina. Mi próximo viaje será en noviembre.

¿Qué opinión te merece el rock argentino de la actualidad? ¿Escuchas o te gusta algún grupo o solista actual?

No estoy escuchando nada nuevo del rock de Argentina. Tal vez alguien me podría recomendar algo…

¿Qué estilos musicales y artistas internacionales te gusta escuchar?

Yo siempre escucho jazz y artistas que dejan algún mensaje de verdad en sus músicas y líricas, como U2 y Lady Gaga. Ella es una artista extraordinaria. Hace una música que me hace volar. ¿Alguna vez viste algún concierto de Lady Gaga? Tengo un montón de afinidad con ella. La vi en el Madison y casi la llegué a conocer en persona. A lo largo de mi vida, conocí a muchos músicos famosos. Por ejemplo, en 1980 fuí a Jamaica y vi a los Wailers (originales) con Bunny Wailer (Livingstone). Estando allá, conocí a todo el mundo, hasta comí en la casa de Bob Marley.

¿Cuál es tu recuerdo de Bob?

Era un tipo maravilloso. Gracioso, fumaba grass y se la pasaba jugando un montón a la pelota. Se volvía loco por todo lo relacionado con el fútbol. Me acuerdo de que, con Tayda, ya lo habíamos visto tocar desde la primera fila, ahí nomás del escenario, en 1978.

¿Y cómo se te dio por viajar a Jamaica?

Justo tocaban los Wailers originales y no me lo iba a perder. En el viaje me senté al lado de una chica, que era la novia del bajista. Una vez que llegamos a Jamaica, nos vinieron a buscar al aeropuerto. Lo demás es histórico. ¿Qué te parece? Fue maravilloso estar ahí, un privilegio. Yo era la única persona blanca en todo el concierto. Son recuerdos que te llevas con vos para siempre.

Secuencia Inicial.-

DOS EDIFICIOS DORADOS

pulsar acá

 

Miguel Abuelo en vivo

ABUELO IN LOVE (1982 - foto mg)

BUEN DIA, DIA en vivo - pulsar aquí

Querida gente...

NITO - RAÚL - MARIA ROSA - LEÓN

(amplía con un click en la imagen)

Invitación abierta

Ciclo 

POESIA y POETIZAR

5 poetas 5

MIGUEL GRINBERG

DANIEL EDUARDO SERRA

HUGO TABACHNIK

ELVIRA ARIZTIMUÑO

OSVALDO VIGNA

Viernes 17 de Junio  

18 horas

entrada libre

Fundación 

de la Justicia Social

Eduardo Acevedo 557/59 

(Parque Centenario)

Altura Av. Díaz Vélez 4700

Ojo: no confundir con la calle Acevedo de Villa Crespo

Visitar http://miguelgrinberg.blogspot.com

Alberto Ledo, in memoriam

Homenaje radial: 

MATERIA PRIMA

por ALBERTO LEDO

Album grabado en 1983 en California

Será difundido completo en el programa Rock que me Hiciste Bien, por Radio Nacional AM 870, el sábado 11 de junio de 2 a 5 am (trasnoche del viernes). Puede sintonizarse por Internet: www.radionacional.com.ar 

Foto: Uberto Sagramosso.

“La Cofradía quiso cambiar el mundo"

Rocambole: “La Cofradía fue un proyecto para el amor; Los Redondos, no”

Entrevista y artículo realizado por Franco Ruiz.

Ricardo Cohen (Rocambole) fue uno de los fundadores de la primera comunidad hippie de la Argentina, La Cofradía de la Flor Solar. Saltó a la fama por haber diseñado la gráfica del que para muchos es el mejor álbum del rock argentino, Oktubre (1986). Hoy, refugiado en su taller, situado en calle 9 entre 68 y 69, atendió a Pop Nervioso y afirmó que “La Cofradía quiso cambiar el mundo", y que fue un llamado de alerta sobre el egoísmo de la sociedad actual.

En 1964, Rocambole era un estudiante de la Escuela Superior de Bellas Artes (hoy, Facultad de Bellas Artes). Allí, se conoció con los estudiantes –en su mayoría oriundos de Entre Ríos- con los que luego formaría La Cofradía de la Flor Solar.

Las ideas principales de La Cofradía eran, según señaló Rocambole, la igualdad entre el hombre y la mujer; el cuidado de la ecología; y por último, el amor y la libertad en contra del egoísmo y el individualismo.

“Uno de los eslóganes nuestros era: «Sé todo lo libre que puedas ser». Quizás, por eso, nos comparaban con el Mayo Francés (1968), pero nosotros decíamos éstas cosas desde mucho antes, desde el `64”, precisó Rocambole.

“Las mujeres que vivían con nosotros no lavaban los platos”, alegó Rocambole. Y enseguida subrayó que todos los miembros de La Cofradía compartían las tareas de la casa, el trabajo y las ganancias.

“Se dio que no hubo una mujer que tocara un instrumento y que pueda ser parte de la banda musical, pero sí había chicas que cantaban, pintaban, hacían artesanías, y participaban de la fiesta igual que los hombres”, afirmó Rocambole.

“En 1966 ganamos el centro de estudiantes. Era una época muy efervescente, con mucho debate de ideas y un arco amplio de ideologías: tenías desde agrupaciones “foquistas” hasta gente ligada al “pop-art”, contó Rocambole.

Acto seguido, Rocambole añoró las largas charlas en los cafés que le daban vida a la calle 51 entre 7 y 8: “Estaba lleno de bares, como el Tirol-chopp, el Adriático, el Capitol, el Parlamento (éste todavía está) ...”.

Sin embargo, Rocambole se ufanó de que ellos lo hicieron antes. “Comenzamos, desde el centro de estudiantes, a empapelar las aulas con eslóganes raros, surrealistas, como: «Lo único constante es el cambio». Y las comparaciones con el Mayo Francés no tardaron en llegar.

“Las ideas y las gestas del Mayo Francés llegaron más tarde”, sostuvo Rocambole. “Lo mismo ocurrió con El Verano del Amor de San Francisco y el hippismo. Todo eso llegó después. Lo que sí había, era una suerte de sintonía generacional con todo eso, quizás, porque leíamos los mismo libros, como El ángel subterráneo, de Jack Kerouac”, explicó Rocambole.

“A mí me decían rebelde, beat, existencialista, iracundo, pero nunca hippie, eso vino después”, rememoró Rocambole.

Los cofrades trabajaban en la cooperativa del centro de estudiantes de la Escuela de Bellas Artes. Por esos años, el comedor universitario era el centro de reuniones de todos los estudiantes. Allí se hacían peñas, fiestas, y funcionaba como un centro de convergencia de diversos proyectos, artísticos y/ o políticos.

“Había estudiantes peruanos, venezolanos, de Panamá, Costa Rica, y de toda América Latina. Venían a estudiar a La Plata porque acá les daban unos tiquetes, y con eso comían, gratis, todo el año. Un estudiante del interior llegaba a La Plata, y esa misma noche, ya estaba cenando en el comedor universitario”, recordó Rocambole.

“Era frecuente ver a los compañeros, caminando por los pasillos de la facultad, con alguna naranja que le habían dado, de postre, en el comedor. El menú podía ser puchero, pero también podía ser unas buenas milanesas con puré, ravioles...”, afirmó Rocambole.

“Yo no comía en el comedor porque ya me ganaba la vida pintando afiches y carteles para obras de teatro, publicidades, etc. De todos modos iba seguido, porque ahí estaban mis amigos, y era el lugar obligado de fiestas, reuniones y asambleas. Recuerdo que una vez se presentó en el comedor una grupo de samba, de Brasil”, relató Rocambole.

“Por eso lo cerraron, porque era un lugar de encuentro de todos los estudiantes, más allá de su filiación política”, dedujo Rocambole.

En efecto: la dictadura de Juan Carlos Onganía se ensañó particularmente con la universidad pública (cabe añadir que durante ese gobierno ocurrió «La noche de los bastones largos»), y con el comedor universitario, que sufrió una cantidad considerable de atentados con bombas.

Según Rocambole, en los años `60, se vivía en la Escuela de Bellas Artes –hasta la llegada de la dictadura de Onganía– una suerte de “bohemia familiar”.

Es que la matrícula de estudiantes inscriptos era muy inferior a la actual. “Eramos pocos, algunos nos quedábamos toda la noche pintando, nadie nos decía nada, para los que no tenían un taller propio, era bárbaro, porque se quedaban trabajando en las aulas”, aseguró Rocambole.

El cierre del comedor universitario fue un hecho trágico para muchos estudiantes del interior y de otros países que no tenían donde comer.

“De repente echaron a los mejores profesores, nos quitaron las llaves de las aulas, y establecieron un régimen militar de cursadas. Ya no nos podíamos quedar a trabajar por las noches: terminaba la clase y nos cerraban las puertas”, lamentó Rocambole.

Sin embargo, según explicó Rocambole “toda esa ordalía, ese tormento, lejos de dividirlos, los juntó”.

Así fue que muchos estudiantes, ante el despido de profesores, decidieron desertar en masa. “Nos fuimos a vivir con todos los compañeros del centro de estudiantes a una casa que estaba situada en calle 13, frente al Club Atenas, que como estaba a punto de ser demolida, no nos cobraban el alquiler”, afirmó Rocambole.

“La primera propuesta que surgió en la casa fue crear un comedor universitario paralelo, porque el oficial estaba cerrado. Unas personas del gremio del Correo nos prestaron un lugar, y enseguida pusimos unos tablones, unos caballetes, y comenzamos a cocinar para 200 estudiantes, que no tenían donde comer”, recordó Rocambole.

“Habíamos conseguido unas ollas, inmensas, y con eso cocinábamos. Íbamos al Mercado Central de la calle 520, con un viejo jeep, prestado, a pedir las verduras y las frutas que no se habían vendido en los remates del día”, manifestó Rocambole.

“El comedor paralelo duró 3 meses, hasta que no lo pudimos sostener más”, confió Rocambole. Y agregó que además del comedor quisieron fundar una universidad paralela, con los profesores que los militares habían echado de la facultad.

“Muchos profesores fueron a la casa de 13, y dieron sus clases”, festejó Rocambole.

Luego, los cofrades se mudaron a la casa de 122 bis y 72 bis. “Allí podríamos haber armado una huerta, pero la verdad es que no sabíamos cómo hacerla, y era mucho trabajo. Había que estar todo el día trabajando y no podíamos desarrollar otras actividades que nos interesaban más, como el arte”, desmitificó Rocambole.

“No plantamos ni una papa”, bromeó Rocambole.


La Flor generacional

Según Rocambole, el nombre «La Cofradía de la Flor Solar» estaba flotando en el aire, como un motivo psicodélico de la época o un símbolo generacional (como el símbolo de la paz de los hippies).

“Había una escenógrafa que estaba montando una enorme flor solar en uno de los subsuelos de Bellas Artes, y a nosotros se nos ocurrió ponernos La Cofradía de la Flor Solar”, indicó Rocambole.

“También había una periodista de la revista Eco Contemporáneo (que dirigía el periodista y escritor Miguel Grinberg) que una vez vino a La Plata a hacer una nota y nos contó que ellos llamaban a la redacción de la revista «El reducto de la flor solar»”, recordó Rocambole.

Según señaló Rocambole, también había una librería platense que se llamaba La Cofradía de la Flor Solar (cuyo dueño era el filósofo León Iglesias), y hasta había un grupo de percusión que se hacían llamar “El espíritu de la Flor Solar”.


La vida en comunidad

Según Rocambole, fueron adquiriendo, con el paso del tiempo, y a partir de los errores, una mayor conciencia comunitaria. “La pregunta siempre era ¿cómo ganarnos la vida?”, confió Rocambole.

“Teníamos una mesa de serigrafías, y con eso hacíamos afiches, tarjetas, volantes, y recaudábamos algo de dinero. Después recibimos la visita de un artesano ("Marlon" Vilela, de la Eco Contemporáneo) que nos enseñó a trabajar en cuero y metal, y así inauguramos la artesanía urbana, que hoy está a la vista de todos, en cualquier plaza de la ciudad. Nosotros fuimos los primeros”, aseguró Rocambole.

“Un día un miembro de La Cofradía inquirió: qué hacemos con la plata en nuestros bolsillos. ¿Por qué no hacemos un fondo común? Esa noche, hubo varios cofrades que abandonaron la casa. Fue una desilusión, porque nosotros siempre bregamos por la solidaridad, pero era todo tan libre, que hasta esos gestos de individualismo también estaban contemplados, y respetados”, afirmó Rocambole.

"Los cofrades que se enojaban con nosotros se iban a vivir a La Casa de la Luna, que era la casa de Poli", ironizó Rocambole.

“Recaudábamos el dinero de las actuaciones del grupo musical, las artesanías, las changas, y anotábamos todos los gastos en un cuaderno. Hubo momentos de organización casi fascista, donde funcionábamos con la prolijidad y el orden de una operación militar. Casi siempre esos «golpes de estado» venían después de épocas de mucho desorden, hasta que nos dábamos cuenta de que no podíamos estar dos meses comiendo polenta, que había que llevar un orden”, explicó Rocambole.

“Anotábamos en un cuaderno: a las 7.30 nos levantamos; a las 8.30 trabajamos en el taller de artesanías; a las 11 meditamos en grupo y hacemos ejercicios espirituales; a las 22 ensayo de la orquesta musical, etc.”, indicó Rocambole.

“A veces la tensión dentro de la casa era muy fuerte, había discusiones, y alguno se enloquecía por la misma presión de la convivencia, pero salíamos adelante”, confió Rocambole.

“Luego comenzamos a trabajar en decoración y diseño de interiores, justo agarramos la época en que comenzaban a abrir en La Plata los primeros boliches (nosotros les llamábamos confiterías bailables). Así fue que conseguimos muchos trabajos. En un boliche hicimos toda una decoración medieval, en metal y mármol, y quedó muy bonita”, contó Rocambole.

“Tratábamos de conseguir en esos boliches que decorábamos un lugar para que después pueda tocar la banda musical”, afirmó Rocambole.

Drogas

Según contó Rocambole los cofrades conocían las drogas, porque muchas veces eran llamados para hacer "cambios" (reemplazar a algún otro músico) en los cabarets platenses. "Pinchevsky y Kubero Díaz eran muy virtuosos y enseguida se aprendían los temas, por eso los llamaban seguido para tocar tango en los cabarets y reemplazar a algún músico. Ahí conocieron la cocaína", afirmó Rocambole.

“Nosotros conocimos la marihuana a través de un hippie brasileño que nos visitó en la casa y nos regaló unas semillas. Nos explicó como plantarlas, y nosotros las plantamos en el jardín de la casa de 122. Cuando llegó la primavera vimos que empezaban a brotar unos tallitos, nos pusimos muy contentos... ¡Al fin íbamos a poder experimentar con la marihuana de los hippies!”, explicó Rocambole.

“Se había creado mucha expectativa entre los cofrades, hasta que nos dimos cuenta de que los brotes que habían nacido en el jardín eran idénticos a los de la casa del vecino, la plaza, etc., y que no era marihuana”, relató Rocambole.

“La droga, para nosotros, era un ritual, algo esporádico, espiritual, ligado a la música, el arte y la conciencia. Luego se puso de moda entre los psicoanalistas porteños usar LSD (ácido lisérgico) para que los pacientes puedan liberar más fácilmente el sub-conciente. Ahí sí, muchos cofrades probaron el LSD y tuvieron visiones fantasmagóricas”, contó Rocambole.

“Había un gran debate dentro de la casa en torno al uso de drogas: estaban los que estaban a favor de la droga, para experimentar, y los que estaban a favor de la experimentación pero, sin drogas. «Tampoco quemar por quemar», repetían los que se oponían al uso de drogas”, recordó Rocambole.

Rocambole contó que un día, revisando los cuadernos donde se anotaban todas las actividades de la casa, descubrió que los días que había visitas decaía considerablemente la producción de artesanías. Luego se dio cuenta que la producción decaía porque los visitantes traían «fumo».

“Hubo que restringir las visitas”, bromeó Rocambole.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
 
"La gráfica de Oktubre es la que más me gusta, por todo lo que pasó después y la aceptación que tuvo en la gente. Cuando vi que había mochilas, banderas y remeras con la imagen que yo había diseñado, me emocioné mucho. Y... a quién no le gusta que se lo reconozca", soltó Rocambole.

Con respecto a si La Cofradía influenció a Los Redondos o no, Rocambole dijo que "el Indio siempre dijo que a él no lo influenció La Cofradía, y tiene razón, porque él no vivía en La Plata, pero por ahí a Fenton o a Skay, que eran habitués de nuestra casa y concurrían a los ensayos de la banda, sí los influenció".

"La experiencia de la autogestión la inciamos los cofrades y luego Los Redondos la retomaron", argumentó Rocambole.

En torno a la decisión que tomaron Los Redondos, cuando decidieron transformarse en una banda de rock, tradicional y estable, y alejarse del "circo" de intelectuales y bohemios platenses que le había dado vida al grupo, Rocambole sentenció: "Fue una decisión política que tomaron Poli y el Indio".

"Ahora a las traiciones se les llama decisiones políticas", deslizó Rocambole.

"La diferencia entre La Cofradía y Los Redondos es que La Cofradía fue un proyecto para el amor; Los Redondos, no. Eso explica, en parte, por qué La Cofradía sigue tocando y seguimos en contacto, siendo muy amigos, y Los Redondos, no.

Fuente:http://popnervioso.blogspot.com/2008/05/entrevista-con-rocambole.html 

ATENCION RIO TERCERO

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*ROCAMBOLE*
El artista plástico Ricardo Cohen -ROCAMBOLE-
inauguró ayer viernes 20 de mayo, a las 21hs, una muestra en el:


*Museo Regional Florentino Ameghino*
Intendente Del Buono y San Pedro
Río Tercero
Córdoba

Inauguración: 20 de Mayo
Cierre: 20 de junio

La muestra se podrá visitar de lunes a viernes 

en los siguientes horarios.
Lunes a viernes:  8 a 12 y de 14 a 20Hs.
Sábados, domingos y feriados: 15 a 19Hs.

Florecimientos musicales

El 20 de mayo Lulacruza presenta su EP Circular Tejido en el Espacio Urania Giesso. Compartirán escenario con la cantautora Maricel Ysasa, quien estrenará su álbum debut Nacerán las hojas.

Por Pablo Bobadilla

LULACRUZA es un dúo de folk electrónico que teje canciones luminosas, instrumentos autóctonos Sudamericanos y nuevas tecnologías digitales. Regresan a Buenos Aires luego de su recorrido por Colombia junto al cineasta francés Vincent Moon con quien registraron un álbum visual recolectando sonidos de la flora y fauna en distintas regiones del país. El nuevo disco es un EP con 4 canciones y ha sido editado digitalmente en Japón por Nature Bliss, y en formato físico por Acqua Records, fue seleccionado para el catálogo del Club del Disco e incluye colaboraciones con músicos como: Marië Abe (Japón), Soema Montenegro (Argentina), Claudia Cuentas (Peru), Emo Suarez (Argentina), Evan Fraser (USA), Ramiro Flores (Argentina), y Manu Schaller (Argentina). El arte de tapa del disco es obra de la artista argentina Paula Duró.

Tour 2010:  Lulacruza realizó una gira por Estados Unidos, 21 conciertos en los estados de New York, New Mexico, Florida, Colorado, California y Oregon. En la primera edición de la Bienal de las Américas en Denver tocaron junto a Juana Molina en una noche denominada El futuro del folk. Se presentaron en dos festivales al aire libre en campamentos masivos de 4 días de música y arte: Priceless, en California y Beloved, en Oregon. Ambos fomentan la sostenibilidad y difunden emprendimientos ecologistas. En Priceless, de perfil más tecnológico, tocaron con: Shigeto y Mux Mool (del sello Ghostly) y David Last. En Beloved, orientado al world music, compartieron grilla con: Vieux Farka Toure, Hassan Hakmoun, y Alam Khan. El dúo realizó 4 conciertos en Nueva York, fueron artistas en residencia en la galería Simigo en Miami y finalizó su tour como teloneros de la gira de Edward Sharpe and the Magnetic Zeros en Eugene y Portland, Oregon con entradas agotadas cada noche. Lulacruza regresó a Argentina en septiembre, dio una serie de conciertos gratuitos en Buenos Aires, luego compartió dos conciertos en La Trastienda junto a Totó La Momposina y cerró el año presentándose con Gaby Kerpel en Urania Giesso.

Bio: LULACRUZA son Alejandra Ortiz (Colombia) y Luis Maurette (Argentina). Tras conocerse estudiando en Berklee College of Music en Boston (USA), Lulacruza ha editado tres discos: Do Pretty! (2006), Soloina (2008) y un EP de remixes llamado Canta (2009). Desde su debut en el 2006 han tocado en más de 30 ciudades en 5 países y su música ha sido incluida en documentales colombianos, argentinos y mexicanos, y en compilados en Italia, USA, Argentina y Venezuela. En 2007, fueron Today’s Top Tune en Morning Becomes Eclectic KCRW 89.9. En 2008 fueron Artistas en Residencia en el Red Poppy Art House, San Francisco, CA; y recibieron premios de Zellerbach Family Foundation y de William & Flora Hewlett Foundation por sus performances multimedia y su alcance social. En 2009, su segundo disco fue incluido en el prestigioso catálogo del Club del Disco. Lulacruza vive entre San Francisco (USA), Bogotá (Colombia) y Buenos Aires (Argentina).

Maricel Ysasa presenta su disco debut: Nacerán las hojas.

Maricel nació el 30 de enero de 1984, en Atalaya, provincia de Buenos Aires. Estudió en el conservatorio de música clásica Alberto Ginastera, en la localidad de Morón. Trabaja como docente en varias escuelas de La Matanza y es uno de los secretos que atesora el catálogo del sello de música experimental Noseso Records que acaba de editar el primer disco de esta cantautora: Nacerán la hojas, que reúne composiciones acústicas y breves.

Maricel grabó con Zelmar Garín, fundador del sello Noseso Records, que ha editado en medio de su catálogo experimental los discos de canciones de Eduardo Herrera y Soema Montenegro. El hermano de Zelmar, Waldemar, acompaña a Maricel en violín. Zelmar, productor del disco, define: “Maricel toca la guitarra y canta desde pequeña. A pesar de ser una cantautora nueva, alberga en su música la madurez de la composición minuciosa. Sus canciones de poética sencilla pero concentrada, de estéticas musicales que van de lo experimental a lo folklórico, sin ser forzado, cuenta con colores propios”.

La artista cuenta sobre su opera prima: “Surgió tocando mucho, sin ninguna pretensión, siempre en la búsqueda de algo sincero, que me conecte principalmente conmigo y dejando que la música fluya, que nazca desde la intuición. Grabé con amigos que conozco desde hace 10 años. Participa en piano mi amiga Carolina Rizzi. Grabar es otro mundo, muy interesante también, una experiencia nueva y muy linda, que implica mucho esfuerzo, pero siempre buscando que surja desde el disfrute”.

En diciembre de 2010 el cineasta francés Vincent Moon creador de La blogoteque, filmó a Maricel para su nuevo proyecto: Petites Planetes, que será un net label, con retratos documentales sobre artistas de todo el mundo, del que los usuarios podrán descargar contenido audiovisual en forma gratuita.

El concierto es el 20 de mayo 

a las 22 horas 

en Cochabamba 370

Las entradas están a la venta desde 25 pesos y se reservan escribiendo a: urania@uraniagiesso.com.ar

Para más información:

www.myspace.com/maricelysasa/music
www.lulacruza.com

Rosario! CABUROBLUS en vivo!

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TRUCO GALLO presenta su Primer Disco

	20 Mayo 21:30 - 27 Mayo a las 0:30
	Domus Artis - Av. Triunvirato 4311  Villa Urquiza - Capital Federal
	El nombre “ Truco Gallo” deriva de una variante del juego del truco que permite jugar de a tres. También es el nombre de este trío de Latin Jazz y del disco homónimo que van a presentar estos tres músicos Barilochenses - hijos de músicos - que actualmente viven en Buenos Aires. El trío está formado por Guillermo Navarro en batería, Francisco Martínez Castro en piano y Santiago Rapoport en bajo eléctrico. El disco-debut de estos jóvenes músicos patagónicos, grabado en vivo en el estudio “Casa Frida”, transita mediante composiciones instrumentales propias, los caminos del latin jazz, el merengue caraqueño, el choro brasilero, el candombe y otros ritmos latinoamericanos. El trío equilibra vitalidad y virtuosismo sin dejar de lado la musicalidad y las melodías cautivantes.
	Entradas $30. -  Reservas al: 45228294

CUEVEROS EN SU SALSA

Rocky Rodríguez-Moris-Pajarito Zaguri

LA CUEVA - 1966

Cortesía Jimmy Olszevicki vía Pipo Lernoud

Gratis: Pat Coria y los Susceptibles

 

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Sábado 14 de mayo 24:30 

en BORIS Gorriti 5568

Iluminados por el fuego

(Foto Cristian Seligmann de El Acople)

OPINION - PAGINA 12

 Por Eduardo Fabregat

 LUNES 9 DE MAYO DE 2011

¿Ahora se entendió?

En los días posteriores al 30 de diciembre de 2004, en los debates que suscitó el uso de pirotecnia en recitales de rock y en los meses que siguieron, hubo que escuchar la misma, estúpida teoría: “En los recitales al aire libre no pasa nada”. No es lo mismo que Cromañón, dijeron quienes sostienen contra toda lógica la teoría de que el espectáculo se conforma de un grupo arriba del escenario y una proliferación de fuegos y banderas en el público. De nada servían los múltiples testimonios de personas quemadas por chispas, medio ahogadas por el humo, molestas por el peligro latente, ofendidas por la falta de respeto a los muertos de Once. Al aire libre no pasa nada, repetía el coro.

El 30 de abril, en el show de La Renga en el Autódromo de La Plata, al aire libre, Miguel Ramírez recibió un bengalazo en el cuello. El viernes 6 de mayo, los médicos que lo atienden diagnosticaron “muerte cerebral”.

¿Ahora sí se entendió?

Han pasado apenas unos días desde el anuncio de la Cámara de Apelaciones y las sentencias del TOC 24 sobre las muertes de Cromañón. Y aquí estamos, hablando otra vez de las mismas cosas. De quién estaba a cargo de la seguridad y el cacheo de los asistentes, que en este caso y para profundizar las sensaciones lleva el pintoresco nombre de Chacal Producciones. De por qué el público de rock tiene tantos problemas para tomar conciencia y aprender a cuidarse más allá del cuidado que deben tener los otros. De por qué no hay una actitud integral del medio hacia el tema de la pirotecnia: La Renga supo parar sus shows cuando apareció una bengala, el Indio Solari deja que el público “se exprese” libremente y hasta defendió el fuego en una entrevista de Rolling Stone. El viernes, un comunicado atribuido al Indio señaló: “Mi posición frente al juego de bengalas en los conciertos al aire libre siempre se sostuvo en entender que si esos fuegos artificiales se entendían como de extrema peligrosidad aún fuera de los locales cerrados, lo correcto y conveniente sería la prohibición de su venta al público y no el traslado del deber policial a los organizadores de los eventos. El control en estas reuniones multitudinarias se hace prácticamente imposible por el hecho de que el público no concurre al estadio sino hasta un momento cercano al inicio del show y en tan corto tiempo, entonces, se torna muy difícil el revisar exhaustivamente a los concurrentes. De cualquier manera y tomando en cuenta los accidentes que pueden ocasionar, les pido a quienes se acerquen a mis conciertos que se abstengan de su uso”.

Otra vez, la aparición de una víctima es lo único que viene a despertar conciencias. ¿Por cuánto tiempo? ¿Qué nueva visión irresponsable vendrá a reemplazar ese “al aire libre no pasa nada”? Ya habrá quien se apropie de esas palabras del Indio y enarbole un “bueno, si el Estado no las prohíbe, la culpa no es nuestra”, reciclando de paso ese maravilloso deporte de echarles la culpa de todo a los gobernantes sin hacerse cargo de lo que a cada uno le toca.

Cuesta creerlo, de verdad. Desde diciembre de 2004, las discusiones alrededor de este tema fueron contaminadas por esa clase de conceptos engañosos, que no ayudaron a aclarar la cuestión de fondo. Ahora que hay otro joven en una cama de hospital, ahora que hay otra familia destrozada, ¿podremos discutir de verdad lo que hay que discutir? ¿Podemos dejar de lado, de una buena vez, las teorías que defienden lo indefendible, que disculpan lo que no puede disculparse, que se cagan en la historia reciente? 

¿Podemos recordar y subrayar que el rock es otra cosa, que las bengalas, candelas y tres tiros son el entretenimiento de imbéciles que babean ante el fuego y no ante una creación artística?

Ahora que tenemos otro muerto, ¿se entendió?

“El aguante” no se aguanta más

Fecha: 6/05/2011 Autor: Diego Gassi | noticias.rock.com.ar

El estado desesperante en el cual se encuentra Miguel Ramírez tras recibir un bengalazo en el cuello en pleno show de La Renga no debe hacernos perder el eje de la cuestión: las cosas que somos capaces de hacer por el rock.

Miguel Ramírez, última víctima del "aguante"

Y toda reflexión debe empezar por una autocrítica: los periodistas tenemos parte de la culpa por fomentar “la fiesta”. Fue tema de debate justamente esta semana con Nacho Girón y con Bruno Larocca en la presentación de la Revista Dale: durante mucho tiempo, los medios reflejamos lo que sucedía abajo del escenario, como si fuera más importante que lo de arriba. Y en buena medida, seguimos haciéndolo.
Dejemos de hablar de “accidente” porque no es un suceso eventual. Acá hay desidia, irresponsabilidad, delincuencia e impunidad. 

¿Por qué suponemos que tirar una bengala en un lugar abierto no trae riesgos? Acaso haya pasado mucho tiempo ya desde el asesinato del hincha de Racing en la Bombonera, en 1983, cuando la barrabrava de Boca tiró una bengala que impactó también en el cuello del hincha, que estaba en la popular de enfrente.

¿Ahora sí aprenderemos?

Es hora de cortarla. De pensar qué hicimos, qué hacemos. De discutir. De seguir pensando y de decidir qué haremos. Tenemos derecho a exigir no ya calidad artística, sino al menos un nivel de show. Con las condiciones adecuadas en el lugar para albergar a la cantidad de gente que corresponda.

Lo ocurrido en el Autódromo de La Plata no es igual a lo de Cromañón. A diferencia de La Renga, Callejeros incentivaba públicamente el uso de bengalas y, según consta en la causa, ayudaba a ingresar la pirotecnia al boliche.

Seguramente sea sincero el sentimiento de la banda tras lo sucedido el sábado. Y es elogiable que acompañen a Miguel y sus familiares. Pero más allá de eso, La Renga tiene su responsabilidad en la mala organización del recital. Un fan está agonizando y otros 59.999 vivieron una odisea inexplicable, insólita y peligrosa por ir a verlos. Debieron caminar 5 kilómetros por el barro y bajo la lluvia para entrar o salir del Autódromo. Debieron esperar durante horas para poder volver a sus casas. Eso no es “tener aguante”: es tolerar cualquier vejamen por parte nuestros ídolos, de aquellos que dicen preocuparse por nosotros y cuidarnos. 

Y encima, los defendemos ciegamente.

Que se entienda bien: no estoy mezclando a La Renga con la bengala. Pero si La Renga (o cualquier otro) sigue organizando los shows de esta manera, no debiéramos ir más. En algún momento tenemos que decir basta. Nosotros, los periodistas y los espectadores. No podemos seguir aguantando cualquier cosa en el nombre del rock. Así como nos indignamos porque TBA nos trata como caballos para viajar en tren también debiéramos hacerle saber a estas productoras de eventos masivos que no estamos conformes. Porque vamos a ser sinceros: viajar para ir a trabajar es realmente la diferencia entre la vida y la muerte.

Es cierto que, como dijo el Indio Solari, resulta prácticamente imposible revisar a miles de personas que pugnan por entrar a un lugar media hora antes de empezar un recital. Pero es un facilismo exigir que se prohiba la venta de bengalas por la sencilla razón que es inviable.

Un tipo con el carisma y los millones de seguidores que tiene Solari dejó pasar una oportunidad quizás única de quebrar esta lógica macabra: si hubiera condenado en serio a las bengalas, desde ese momento en adelante la historia sería otra. Habría sido tomado como palabra santa. Pero prefirió poner en primer lugar su reclamo hacia la venta de pirotecnia y la imposibilidad de controlar la situación en vez de hacer una autocrítica y bajar línea. Las palabras “les pido a quienes se acerquen a mis conciertos que se abstengan de su uso” suenan muy tibias para un momento como éste.

Nuevos Cimientos

PÁGINA 12 - Jueves, 5 de mayo de 2011

EL INSTITUTO NACIONAL DE TECNOLOGIA INDUSTRIAL PUBLICO NUEVOS CIMIENTOS

Páginas para repensar 

la Argentina

El libro reúne textos de unos setenta colaboradores de diferentes áreas del conocimiento, con la idea del intercambio como base. Horacio González, Miguel Grinberg, Héctor Valle y Enrique Martínez (presidente del INTI) participaron de la presentación.

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Pablo Dacal presentó su primer disco solista

Pablo Dacal, ex líder de la Orquesta de Salón, presentó anoche su primer disco solista, "El progreso", en un concierto realizado en Samsung Studio de San Telmo e investido por las sonoridades de un rock onírico que, sin embargo, estuvo a la vez teñido de un tono irónico y una poética crítica.
 

Tras la provocadora experiencia creativa de Orquesta de Salón, que fusionaba la música de cámara con la popular, Dacal se entregó a la gestación de nuevos climas musicales y, de esa indagación, emergió "El progreso", un material conceptual que recorre una línea melódica con una retórica ténue, pero inscripta en un contexto instrumental resonante.

Ese resultado es el producto de la combinación de su originalidad compositiva con el soporte sonoro que aporta una banda en la que aparecen como figuras estables Marcelo Ezquiaga (piano, coros), Fernando Pereyra (guitarra eléctrica, coros), Nathalia Cabrera (bajo, coros) y, con fuerte presencia en el escenario, y Fernando Samalea (batería y bandoneón).

A ese núcleo se sumaron, anoche y en el disco, numerosos invitados que cultivan paisajes vecinos al universo musical en el que abreva Dacal.

En el material editado sobresale la intervención de Fito Páez, que prestó su voz para "Lo que está sonando", uno de los estandartes del disco; y Palo Pandolfo en "Nazarena". En la presentación desfilaron, entre más, los músicos Joel López (guitarra y vos), Ulises Conti (piano) y Andrés Ravioli (percusión).

Dacal inauguró la noche con "Desorientado", con letra de Tátala Rodríguez, que traza un mapa de la época post-industrial y que se emparenta también con otra pieza del disco, "Nada en TV", donde Dacal hace propia la poética de Pipo Lernoud.

La sala celebró cada canción y, en ese clima, Dacal se animó a un estreno, "Más allá del bien y el mal", donde, con sencillez melódica y en un formato canción clásico, ofreció una sonoridad intimista y a la vez un discurso poético crudo.

En ese contexto, Dacal insistió en que, en este tiempo, "la academia es la televisión" y, navegando entre el inconformismo y la esperanza, rezó que "más allá del bien y el mal/esto tiene que cambiar".

Con el avance del concierto, los invitados desfilaron sin cesar para participar de la estética onírica y festiva que emana de "El Progreso".

El desenlace asumió una postal coral y se precipitó con una nueva versión de "Desorientado".

Entonces un colectivo de músicos se apropió del escenario y se entregó a un discurso musical, resonante y caótico, que reflejó el tránsito creativo de la noche. (Télam)

Foto: Carlos Romano

PRESENCIA DE LA ASOCIACION JUNGUIANA ARGENTINA (AJA) en la
37 FERIA INTERNACIONAL DE BUENOS AIRES
EL LIBRO, DEL AUTOR AL LECTOR

Predio Ferial La Rural.  Palermo

Sólo los poetas me comprenderán, a 50 años de la muerte de Carl G. Jung

Mesa redonda con el Prof. Dr. Vicente RUBINO, Prof. Dr. Francisco GARCIA BAZAN, Prof. Lic. Silvina Laura MAZAL, Miguel GRINBERG.

Coordina: Prof. Dr. Antonio LAS HERAS.

Domingo 2 de mayo de 2011. De 20.00 a 22.00 horas. Sala Roberto Artl.

Acto oficial de la Fundación El Libro, organizadora de la

Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

EL INTI EN LA FERIA DEL LIBRO

En el marco de la Feria Internacional del Libro que se desarrolla en La Rural, el INTI (Instituto Nacional de Tecnología Industrial) organizó diversas actividades en su stand como la performance de imagen, poesía y danza "Visto lo que soy" que se hará el sábado a las 19.

Artistas invitados participarán del espectáculo organizado por INTI, junto a las asociaciones Yo No Fui, La Alameda y Dignity Returns (Tailandia), acerca de nuevos entramados que apuntan a la inclusión social y a la industria de indumentaria libre de trabajo esclavo.

Además, el martes próximo a las 18 se presentará el libro "Nuevos Cimientos. Debates para Honrar el Bicentenario" en la sala Rincón de la Lectura, con los panelistas Miguel Grinberg, Héctor Valle, Horacio González y Enrique Martínez.

Se puede visitar el stand de INTI en el Pabellón Azul de la Feria, hasta el 9 de mayo en La Rural.

FERIA DEL LIBRO - PROGRAMA ESPECIAL

Rock que me hiciste bien anuncia la realización de un programa especial que se registrará en vivo en la 37ª Feria Internacional del Libro (La Rural. viernes 29 de abril de 14 a 16) en la estación móvil  que Radio Nacional instala en el patio interno de acceso. Contaremos con la presencia y la música del guitarrista Marcelo Ponce y la cantante Viviana Dallas, y también el guitarrista Jorge Senno, quien anticipará temas de su nuevo (tercer) disco.

Para los oyentes del interior del país, la edición se grabará allí mismo para su posterior emisión en la madrugada del día siguiente, sábado 30 de abril de 3 a 5 de la madrugada por AM 870, la radio pública.

MARCELO PONCE / VIVIANA DALLAS

JORGE SENNO

Marcelo Ponce y Viviana Dallas son dos músicos argentinos que se han especializado en la música afro-americana, como el Country-Blues, el Blues Urbano, el Rhythm & Blues, los Negro Spirituals y el Rock and Roll. A lo largo de su carrera han participado en diferentes agrupaciones que trabajan estos géneros musicales.

Jorge Senno tiene dos discos solistas editados: “Barraca Peña” (2001) y “Un Blues desde el fin del mundo” (2006), éste ùltimo con gráfica de Rocambole y ambos con la colaboración de prestigiosos invitados. Ha intervenido en las tres ediciones del Festival de Blues de Rosario. Nuestro programa utiliza sus temas para cortinas radiales de todas sus emisiones por AM Nacional.

Shows y cursos de CLAUDIO GABIS en ARGENTINA

2 de mayo: Firma de libros "ARMONIA FUNCIONAL" en el stand de Melos, Feria del Libro Bs.As.

3 a 7 de mayo: CURSO DE ARMONIA FUNCIONAL EN EL CCEBA (Centro Cultural Español en Buenos Aires) TEL. (+ 5411) 4312-3214/5850

9 a 14 de mayo: CURSO DE ARMONIA FUNCIONAL APLICADA en MUSIMEDIOS, ROSARIO. http://www.musimedios.org/newsletters/artenet/

13 de mayo: Concierto en Parque España, Rosario

15 de mayo: Master Class en Ramallo, Pcia de Buenos Aires

18 de mayo: de 19.00 a 22.00 horas. Master Class TECNICAS DE IMPROVISACIÓN BASADAS EN LA ARMONIA FUNCIONAL en STUDIOS REC, de Buenos Aires. Información: http://www.studiorec.com.ar/

20 de mayo: Concierto en Mr. JONES, Ramos Mejía. Info: http://www.mrjonespub.com/indexa.htm

RIMANBLOOM! - El Power Trio de Rino Rafanelli

 VIERNES  15 DE ABRIL

ESTARAN TOCANDO JUNTO A 

AMAS DE CASA ROCK 

EN "TABACO" EE.UU 265 SAN TELMO. 

RESERVAS: 42329794

El power trio del bajista Rino Rafanelli con Diego Schneerson en Guitarras/ coros y Diego Ceccato en bateria. Actualmente la banda se encuentra trabajando en la pre-producción de su primer disco de larga duración. Los presentes podran escuchar un adelanto del proximo material titulado "TAO" ¡IMPERDIBLE! ¡Artista Invitado Sorpresa!

 
RimanBloom! es el nuevo proyecto compositivo de Rino Rafanelli (vocal, bass), combinando su talento y experiencia con el franco virtuosismo de Diego Schneerson (guitarra, coros), y Diego Ceccato (batería, percusión)... el estilo de la banda se basa en la performance de excelentes canciones de rock, con el poderoso sonido de un autentico Power Trío... La propuesta artistica de la banda está orientada hacia la música, la fuerza, el virtuosismo y la poesia en una fina combinación que solo puede conducir hacia el alto rock!...
 
Escuchá un adelanto en 
http://www.myspace.com/rimanbloom
http://www.myspace.com/rinorafanelli
 
Rino Rafanelli es bajista, cantante, compositor, arreglador y productor artístico...

Tocó en las siguientes bandas:

*Color Humano: (junto a Edelmiro Molinari, Oscar Moro y David Lebón)
*Sui Generis: (junto a Charly García, Nito Mestre y Juan Rodríguez)
*Polifemo: (junto a David Lebón, Juan Rodríguez y Ciro Fogliatta)
*Coral: (junto a Ricardo Mollo, Juan Rodríguez, Gustavo Bazterrica y otros)
*Demo: (junto a Ricardo Mollo, Beto Topini y Daniel Leis)
*Seleste: (junto a David Lebón, Pedro Aznar, Diego Rappoport y Pomo)
*Alphonso S'Entrega: (junto a Daniel Morano, Sergio Nacif y otros)
*Banda Spinetta: (junto a Gustavo Bazterrica y Luis Ceravolo)
*Banda Charly García: (junto a Negro García López, Celeste Carballo, Mario Serra y otros)
*La Rimanblú: (junto a Ariel Rodríguez y Claudio Salas)
*Power Trío: (junto a Black Amaya y Negro García López)
*El Adoquín: (junto a Gady Pampillon y Juan Rodríguez)
*Edelmiro trio: (junto a Edelmiro Molinari y Sebastian Peycere)
*Actualmente toca en RimanBloom! junto a Diego Schneerson (guitarra) y Diego Ceccato (batería)

Rino Rafanelli grabó más de 100 álbumes entre su participación como intérprete, arreglador y productor artístico.

Estudió armonía, composición, contrapunto, arreglo y orquestación (3 años) con Juan Carlos Cirigliano, teoría y armonía contemporánea (2 años) con Pedro Aguilar, técnica de grabación y producción artística (1 año) con Mario Breuer.
Es profesor de bajo, guitarra, armonía y composición.
Editó 2 libros-métodos de bajo en editorial Ricordi Americana: "El Bajo y los Blues" y "La Banda y yo (bajo)".

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CANCIONES AUTOGESTIONADAS

MATIAS FOREITER + SEÑORITA CAROLINA


20 ABRIL 21 HS ESPACIO DADA BORGES 1655


http://www.matiasforeiter.com.ar

Presentación de AIMÉ PAINÉ - LA VOZ DEL PUEBLO MAPUCHE, de Cristina Rafanelli

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Aimé Painé – La voz del pueblo mapuche

Conozco a la autora de este libro desde chiquita. Ella es la hermana de Rinaldo Rafanelli, un músico histórico del rock nacional.

También conocí a Aimé Painé, la inspiradora de este libro, cuando al principio de los 80, todavía en dictadura, formábamos parte de una agrupación que se llamaba Movimiento por la Reconstrucción de la Cultura Nacional: éramos músicos, pintores, antropólogos y escritores que nos juntábamos en nuestras casas para pensar el futuro.

Ojalá las palabras pudieran expresar lo que Aimé emanaba: belleza, seriedad, dulzura y convicción en la búsqueda de sus raíces.

Con la lectura de este libro me voy enterando de la historia personal de Aimé. De su doliente infancia, y su devenir como investigadora y cantora, de su rescate de un pueblo y una cultura despiadadamente masacrada.

Mis felicitaciones a Cristina por haberse involucrado en la increíble historia de esta mujer, y la profundidad y sensibilidad con que realizó este arduo trabajo.

León Gieco

Cristina Rafanelli. Periodista, escritora y docente. Colaboró en diversos medios, como Expreso Imaginario, Mutantia, Humor, La Mano, Página 12, entre otros. Desde 1985 reside en San Carlos de Bariloche. Publicó Los trabajadores argentinos temporales en Andorra (2008) junto con Perla Álvarez y Joan Micó para el Centro de Investigación Sociológica dependiente del Principado de Andorra.

LUNES 18 DE ABRIL a las 19 horas

Sala "Juan L.Ortiz

Presentan:

Luisa Calcumil

Carlos Martínez Sarasola

BIBLIOTECA NACIONAL

AGUERO 2502

Ciudad de Buenos Aires

Entrada libre y gratuita