EDITOR: MIGUEL GRINBERG


ENTREVISTA (click acá)

31 de mayo de 2009

LUIS ALBERTO SPINETTA CON NOSOTROS



El programa Rock que me hiciste bien cumplió 3 años en Radio Nacional el pasado 30 de mayo. La primera hora de esta emisión-aniversario contó con la presencia del músico y queridísimo amigo Luis Alberto Spinetta, para tratar el tema "Poesía y Poetizar", sección que coordina el último sábado de cada mes el poeta Daniel Serra.

Hay pedidos de oyentes para repetir el audio
Se retransmitirá el sábado 4 de julio de 2 a 3 am

M. Grinberg / D. Serra / L. A. Spinetta



23 de mayo de 2009

PEDRO Y PABLO: "Nuestra bandera era la canción"




Miguel Cantilo y Jorge Durietz se reunieron para tocar en vivo una flamante reedición con 9 bonus tracks de su debut, "Yo vivo en una ciudad" (70). Aquí repasan una época de idealismos, y anécdotas de "conchetos" desclasados por el rock.

El pelirrojo sol crepuscular. Como "una ventana perdida entre los edificios", Yo vivo en esta ciudad de Pedro y Pablo, editado el 13/ 10/ 70, es el mejor reflejo del atardecer porteño que se haya hecho disco. El dúo en la tapa contra algún crepúsculo rioplatense, el texto de la contra, La Quimera del confort y su sol "tinto de cal", la recién hoy editada Caen la tarde y los hombres donde "se cae el ocaso paso tras paso" dejando un maullido de acordeón... Todo desemboca en la moraleja que resume un título: Vivimos, paremos. "Tener veinte años es¿ demorarse en una plaza contemplando chiquitos de inmenso flequillo, con el sol atrapado entre los dedos¿", leemos en la contratapa. Demorarse: es otro reloj este "city zen" que ofrecen Miguel Cantilo (Pedro) y Jorge Durietz (Pablo). Otro tiempo, el del crepúsculo que propone una contemplación urbana, ésa que también Almendra exponía en A estos hombres tristes o Figuración. La epifanía en el repertorio monótono de la rutina. La iluminación en un mundo gris. Es decir, el mundo del "hombre masa", anónimo, que recorre Florida ciegamente, sin saber que es fotografiado para ilustrar un álbum fundamental del pop nacional.

Pedro y Pablo vuelven a reunirse para tocar después de casi una década de distancia con respecto a la última resurrección, porque su debut es relanzado con inéditos. Otra vez atardece. Otra vez es el mismo bar de Paraguay y Montevideo, aquél donde unos veinteañeros Cantilo y Durietz venían por café y medialunas, mientras grababan cerca aquella obra en los estudios de la discográfica CBS. Pero ahora la redecoración es tan "menemista" como la de La Paz. Y esta caída de sol hirviente, a fines de mayo, le hace preguntarse a un Durietz maduro: "¿Me podés decir de qué época del año es esta temperatura?". Y ahí nomás esboza un balance ideológico sobre su generación: "Se ha desdibujado todo. Estaba pensando que nuestra generación tenía las cosas más claras, como blancas y negras, la derecha y la izquierda, el invierno y el verano. Ahora todo es más indefinido; no sabés cuál puede ser el enemigo real tuyo, del pueblo. Eso es peor. Por eso la juventud de hoy se refugia en blogs, sale al éter, al ciberespacio, en vez de meterse con la calle".

En el disco se los nota con una arrogancia juvenil capaz de advertirles a los otros ("¡Guarda con la rutina!") y de aconsejarles ("Sólo cambiando tu mente"). A la distancia suena un poco a mesianismo ingenuo, a una vanguardia generacional que no logró imponer su "nueva sensibilidad".



M.C.: El estilo venía de Dylan; eso de hablar con el otro de igual a igual. Me gustaba mucho el análisis sociológico que hacía Sabato. Era una cosa del estudiante medio de entonces, que estaba buscando una sociedad más justa. Pero no militábamos en la izquierda, y nos lo recriminaban muchos.

J.D.: La bandera era la canción.

M.C.: Lo que decíamos era que el cambio era mental, pero no político. Pensar que la política puede cambiar este desastre es ingenuo. Es tan fuerte la maquinaria que queríamos destruir en los '60, que lo seguiremos intenando hasta el fin de nuestros días. Muchos que nos escucharon no han renunciado a esa lucha, que se volvió más personal, más íntima.

La historia de Pedro y Pablo arranca en 1967, por la zona del Hospital militar en Belgrano. Cantilo y Durietz habían compartido a una "señorita Beba" en primer grado, pero, ahora a los 17, iban a secundarios religiosos distintos (uno, al San Agustín; el otro, al Esquiú). Separadas sendas bandas -The Bad Boys y The Wise Guys-, formaron con Guillermo Cerviño (hoy fuera de la música) el trío Los Cronopios, que denunciaba, en su cita a Cortázar, que Cantilo cursaba letras.

En los primeros meses de 1969 se tomaron unas vacaciones en Punta del Este, a puro fogón de playa "bien". El repertorio a base de covers de Los Beatles y temas propios contaba con arreglos vocales tan impecables que los contrataron para tocar en un café concert local, adonde el cantante Horacio Molina los escuchó y los recomendó en CBS. Ya dúo, tras firmar un contrato, se encerraron a buscar un "nombre masivo", de nombres propios, algo en boga -tipo Peter, Paul & Mary o Barbara & Dick-, pero que no sonara tan de coiffeurs como Miguel y Jorge. Para algo sirvieron tanta educación religiosa y Los Picapiedras.

El de ustedes parece un mundo paralelo al bajo Belgrano almendriano y al mítico círculo bohemio de La Cueva.

M.C.: Es que éramos "caqueros".

J.D.: Y sí, usábamos zapatos marca Guido. Es lo que hoy se llama "conchetos": los domingos, ibas a ver rugby con una chica que habías conocido en una fiesta del círculo de colegios privados.

Qué paradoja. Identificaban a los marginados (el ciruja, "el chico de arrabal") en sus canciones, y hasta se identificaban con la idea de ser marginal ("Voy por el camino que no sigue nadie")...

M.C.: Yo venía de un hogar de clase media profesional, bastante gorila. Pero el rock me fue desclasando. Imaginate lo que eran esos años: el Mayo '68, los hippies, la guerrilla... Te estallaba la cabeza. Querías dejar lo que hacías por mandato familiar. Para algún lado disparabas. Después de que conocimos a La Cofradía de la Flor Solar (la banda de Rocambole y Kubero Díaz), yo me voy a vivir a una comunidad de El Bolsón. Muchos compañeros del secundario fueron a parar a la militancia. Y, bueno, murieron.

"Me encontraba profundamente insatisfecho con mi personaje de entertainer protestón de una sociedad hipócrita", confesás, Miguel, en tu libro "¡Chau, loco!". ¿El éxito de "La marcha de la bronca" los desgastó ideológicamente?

M.C.: Se vendieron 80.000 discos en medio del onganiato, y empezamos a aparecer en revista Gente haciendo la V con jubilados, en el programa Sótano Beat. Y hacíamos cuatro shows por noche en clubes y confiterías, donde tocaban todos, de Sandro a Julio Sosa y disfrutaban la mamá y su hija. Pero hubo un hecho puntual...

J.D.: La pelea con CBS empezó cuando frenaron la salida del simple de Catalina, bahía porque era considerada pornográfica. Había presión de los milicos, de arriba, y el segundo disco no podía salir.

M.C.: Pueblo nuestro que estás en la tierra se prohibió inmediatamente. El cura que cerraba la transmisión de la tele, y hacía "reflexionar" a la gente antes de dormir, habló pestes del tema. Así de grande era nuestra repercusión. Y la censura. En CBS nos devolvieron el contrato y pasamos a un sello más chico, Trova. Ahí grababa la gente que conocíamos antes del éxito, que tocaba en La Fusa.

¿No eran muy chicos para ese mundo?

Y sí, éramos los pinches que rompíamos el hielo antes de que subieran Nacha, Jorge Schussheim o Carlos Perciavalle.

¿Nunca se cansan de volver a ponerse el traje de Pedro y Pablo?

M.C.: No abusamos. Lo dejamos colgado en el ropero y lo usamos una vez por década.

J.D.: Pero, ¿cómo me voy a cansar si es el mejor traje de fiesta que tuve en mi vida?

“Creo que hay que volver a los oficios”

Pablo mirando al presente

Entrevista a Pablo Dacal
por Guillermo Romani y Santiago Ramos.

Tomado del blog:
http://elmundoentrelasmanosvirtual.blogspot.com



Buscando enlaces con lo que ocurre en la música joven elaborada en nuestro país tomamos contacto con Pablo Dacal, un músico con una mirada más que interesante, de propuesta original y acción renovadora. Es el autor de “Asesinato al rock”, un manifiesto elaborado allá a finales del 2006, a cuarenta años del nacimiento del movimiento rockero en la argentina, incluido en la nueva edición del libro Como Vino la Mano de Miguel Grinberg. El compositor de la “Era del sonido” (su nuevo material), se detuvo a poner en acción las respuestas para esta entrevista.

¿Qué cosas te llevaron a escribir el manifiesto "Asesinato al Rock"? ¿Cómo se dio a conocer?
Quería escribir en tono de denuncia una serie de reflexiones sobre el medio en que me muevo, el mercado, mi generación, la música del país, mi visión sobre el arte dentro de la sociedad. Y dejar testimonio de varias conversaciones con amigos que podían perderse en el olvido y no lo merecían. El título es confuso y me gusta su ambigüedad: denuncia un asesinato o lo promueve, depende de quien lo lea. Lo escribí en el hotel Britania de Rosario durante dos días de lluvia veraniega, a solas, y después recibió la crítica de amigos exigentes y talentosos: Alejandro Guerri, Aquiles Cristiani, Gonzalo Entenza, Tálata Rodríguez. Lo leí sólo dos veces en vivo: en "Aquí, allá y en todas partes", jornadas reflexivas sobre la cultura rock en la argentina realizadas en la Biblioteca Nacional, y en la fiesta Garageland organizada por Patricia Pietrafesa en el salón Pueyrredón. No creo que vuelva a leerlo, ya cumplió su ciclo, dijo lo que tenía para decir. Fue publicado en la reedición del libro "Cómo vino la mano" de Miguel Grinberg.

Teniendo en cuenta que esta parte del mundo, desde México hacia abajo fue colonizada por occidente luego de varios siglos de civilización propia, que fue devastado lo originario sólo en un par de siglos, y casi no tuvo oportunidad de mostrar su profundidad por la imposición de costumbres que no son autóctonas . En este sentido ¿Éste es el momento en que la música más moderna del mundo tiene que salir a escena?
¿Querés decir que la "música más moderna del mundo" puede ser la que salga desde aquí? Es posible. Yo confío en Sudamérica, este vértigo... Al mundo lo veo cansado, occidente muy enviciado, Europa es un museo. Seguramente llegará el turno de Latinoamérica. Pero no te olvides de oriente ni de África: hay mucha historia allí que occidente no conoce. Y además, se trata del punto de vista: lo conocido o desconocido o exitoso se mide con parámetros imperialistas. El truco está en pensar nuestra acción en el mundo en que nos movemos, relacionarnos con lo otro ya fortalecidos, y no deseosos de lo que falta.

¿Qué lectura hacés de las corrientes musicales del siglo XX y cómo la utilizas?
¡Como puedo! Me interesa tomar la música de los momentos salvajes, para denunciar lo violento de la actualidad, que nadie parece verlo de tan obvio que es. Y la música de mi zona: el tango ciudadano, los ritmos del país a caballo, la música de montaña y la costeña, las fiestas populares. Se trata de dar una propia versión de los hechos, eso resulta interesante para mí. Jugar con los estilos, que todo suene parecido pero diferente. Me gustaría que entre todos encontremos algo que no existía y que nos defina, refinar el gusto popular, hacer hablar a mi generación, provocar reacción.

¿"La Era del Sonido" es un disco popular de sofisticación que intenta desterrar prejuicios?
Los 13 Grandes Éxitos querían desterrar prejuicios. Con este quise hacer de pequeñas canciones cotidianas una obra grande, atreverme a ella, encontrar la "forma disco" y separarla del formato. Igual, algo es cierto en lo que decís: me interesaba una instrumentación compleja para arreglos precisos de canciones populares, alegres, violentas y reflexivas.

En tu canción "El Muelle de las Brumas" estás arengando a la juventud a ponerse en acción, a tomar el tiempo. ¿Qué tipo de acciones consideras que se tendrían que poner en práctica para poder darle una forma más concreta a algo que se esta formando desde la música popular?
No lo sé. Esa canción narra una película. Y además arenga, es cierto. A hacerse cargo de la propia vida, tomar el toro por las astas. Cada uno sabrá cual es su juego, pero hacerse cargo ya es un paso.

¿Considerás que existen guetos dentro de la música o del comercio musical?

Cada vez menos. Y un poco está bien, los artistas juntos generan cosas. Pero cada vez se mira más globalmente, todos se preocupan menos por su rancho y se cargan el pueblo sobre los hombros. El comercio es un mercado, y te chupa o te deja afuera: vivir junto al fuerte, saber entrar y salir es lo interesante.

Alguna vez Kevin Johansen dijo que debería formarse un movimiento "subtropical". ¿Te sentís parte de algo nuevo que se esta formando en donde hay música elaborada, perdurable y local (auténtica)?
Por supuesto. Pero la idea del “subtropicalismo” me parece un tanto vaga: no podemos definir un estilo, y menos en referencia a una acción político-artística de 1968. Creo que estamos diciendo algo, sacudiéndonos al mercado del rock de encima, inventando nuevas combinaciones de colores, elaborando un discurso, hablando a quienes nos escuchan. Cada vez más.


Teniendo en cuenta que aquí en Córdoba no se consigue tu material discográfico ¿Creés que la difusión de tu música no cuenta con una situación ideal de distribución?
Obvio, mis discos están muy mal distribuidos. La distribución es el principal conflicto de los músicos independientes: hay otros que están peor, ni siquiera los deben conocer en Córdoba y están haciendo discos geniales. Y la difusión es nula: sólo existe lo que cada escucha hace cuando la música llega a sus manos, ningún organismo nos ampara, ni estatal ni privado. Para eso sirve el mercado, para llegar a las sedes que tiene en todo el país o el mundo, depende de quien sea el jefe y el trabajo que uno haga. La distribución es por internet, los discos están desapareciendo, y está bien: el formato ya duró 50 años, ahora las canciones o las músicas andarán solas, cada cual elegirá que quiere escuchar, alguien da por terminada una obra y la pone en circulación en cuanto quiera. Es genial. El único problema sin resolver es como cobrar por ello, pero como mi generación no llegó a las ventas millonarias de discos, no lo viví y mucho no me preocupa: son cosas del pasado, el precioso y romántico siglo XX, el que ya no existe.

¿"La Era del Sonido" es también la era del "oficio" de cantor, del músico, de escritor? ¿Consideras que habría que ir nuevamente hacia ese tipo de cosas (algo amateur) para lograr un mayor compromiso? ¿Hay demasiados profesionales que profesan pero no cumplen?
Creo que hay que volver a los oficios. Pero no confundas: a mi la idea del amateurismo no me gusta, me gusta le gente que se entrega de lleno a su vocación y la transforma en un oficio, estudia, se prepara, se pone a prueba, lo utiliza con algún fin. Y algunos amateurs geniales siempre hay, y es un gusto conocerlos. El profesionalismo está ligado al empleo, eso es lo feo. Chayane es profesional, pero no tiene oficio: ponele una viola encima y hacelo cantar en un living con desconocidos y lo sacan a patadas.

¿Cómo se gestionan tus trabajos discográficos? ¿Contás con un apoyo por parte de algún conglomerado cultural?
Con la plata de los conciertos, préstamos de amigos o familiares. No llevo una caja de "profesión" y una de mi vida: todo está mezclado, el fin siempre es corporizar las ideas, llevarlas a cabo como sea.

¿Cómo es tu conexión con las artes escénicas?
Mi viejo escribe, actúa y dirige teatro. Desde chico vi muchas cosas, me estimularon mucho. Estudié un poco, participé en algunas obras y películas. Son medios para decir algo. Y la música en vivo también es un arte escénica.

¿Qué condiciones debe tener una canción para que pertenezca al género popular?
Depende del pueblo. En líneas generales, ser entendida por el pueblo al que fue dirigida, y no aburrir.

¿Creés que se desmerece prejuiciosamente a la música denominada popular?
Obvio. Pero para mí esas diferenciaciones ya no tienen sentido, hablar de ellas es no dejarlas morir en paz.

Pablo Dacal y La Orquesta de salón



PABLO DACAL
Cantante, compositor y músico de salón, se presenta en solitario o junto a la Orquesta de Salón, con quienes editará próximamente la suite de canciones La Era del Sonido. Formó algunos grupos durante la década del '90, escribió una novela mala llamada La 99 y editó una corta tirada de su primer disco solista Absolutamente Moderno (1998). Desde ese año, se radicó en la ciudad de Rosario y formó parte de los Killer Burritos, con quienes dio cientos de conciertos y grabó el disco Un millón de dólares (2000). También formó el combo Violeta Plástica, con quienes grabó el primer volumen de la serie música de salón, colección de discos (2001). Ya en Buenos Aires, editó junto a Manuloop los volúmenes 2 y 3 de la serie (2002) y el simple Amor Clasificado (2003), delineando un repertorio para el que formarían la Orquesta de Salón y editarían dos años mas tarde Pablo Dacal y la Orquesta de Salón presentan 13 Grandes Éxitos (2005). En 2006 publica un disco de bolsillo, cuatro canciones a guitarra y viva voz. Junto a la Orquesta de Salón, en solitario o con formaciones ocasionales, ha recorrido todos los escenarios posibles de Buenos Aires y una gran cantidad de ciudades del país. A su vez, produjo en colaboración varios ciclos y eventos temáticos como los Jueves de Salón, Salones Poéticos, Cama adentro, Cheek to Cheek, Salón Favio y el Aquelarre, fiesta fronteriza. También compuso música original para las siguientes obras teatrales: El Mensajero de Hesse (1999), El Anticuerpo (2002), La Piel o la vía alterna del complemento (2003), Somnium (2004), Procedimientos para inhibir la voluntad de los individuos (2006) y Cartas de amor a Stalin todas dirigidas por Enrique Dacal; Los Argonautas (2004), dirigida por Graciela Bravo; Yo soy Sonia Nauman , dirigida por Cristian Drut (2005); e Ifigenia en (2006), dirigida por Agustina Gatto. Participó del espectáculo Concierto de Salón -música para concierto de voz hablada- (2003), del sainete ¿Tango lo qué? (2004), y de El Show del Año, junto a Pablo Grinjot y la Compañía Teatral Mondo Pasta (2005). También coprodujo por fm La Tribu el programa de verano Atendido por sus dueños (2006), protagonizó el mediometraje televisivo Pablo Dacal y el Misterio del Lago Rosario (2007, dirigido por Ignacio Masllorens) y ocasionalmente forma parte del espectáculo teatral Veladas Temáticas.
(Tomado de taringa.net)

19 de mayo de 2009

Un vacío demoledor socava a la juventud


por Miguel Grinberg

Los jóvenes (del mundo en general y de la Argentina en particular) impresionan como restos de un naufragio colosal. Van a la deriva, arrastrados por el viento o la marea. Poseen poca o ninguna referencia sobre el pasado. Presienten que para ellos no hay futuro. Y titilan en un presente donde todo parece gritarles que son material descartable, un accidente del tiempo.

Las rebeldías generacionales de antaño no los motivan porque la sociedad globalizada se volvió inmune a cualquier tipo de impugnación. Momentos inspirados de sublevación juvenil como la contracultura, el pop-art, el rock progresivo y la experimentación psicodélica de los años Sesenta, y luego el movimientismo estudiantil, la desfachatez punk o el cinismo posmoderno quedaron como muecas en el vacío ante el vértigo inasible de una época dominada por la mediocridad y la trivialidad. Y por centenas de crímenes impunes y el auge de una “realidad virtual” donde hipotéticamente todo es posible y donde en última instancia nada ocurre.

Queda entonces un baluarte final en medio del páramo multitudinario y de 180 canales de TV por cable donde raras veces se cuela la vida verdadera: el propio cuerpo y el culto del placer instantáneo a cualquier precio. En un fin de siglo donde hasta la vida se devaluó Y ante el espectáculo insostenible de sus padres demolidos, hoy el adolescente se acurruca en una cápsula donde desfilan las más crudas muecas de la soledad. Disfrazada de "tribu urbana".

La búsqueda de placeres físicos incesantes se llama “hedonismo”, dominado por otra obsesión, el “narcisismo”, que consiste en mirarse sin cesar en un espejo y creer que la imagen es el principio y el fin de todas las cosas.

Psicólogos y sociólogos tratan de explicar esta sombría situación colectiva y recurren al término “anomia”, suma de incertidumbre y parálisis. Hace tres o cuatro décadas, estaban claros los límites entre el conformismo y la innovación. Ahora predomina un retraimiento morboso, el cuerpo se llena de tatuajes y de aritos o dijes, se rechazan los marcos sociales fragmentados, y se navega en un mar de derrotas, miedos y frustraciones. Matizadas por penosas instancias de toxicomanía, alcoholismo, violencia delictiva, vandalismo, bulimia y anorexia.

Pero no es el fin del mundo: es apenas el epílogo de una época (el siglo XX) donde se perfeccionaron como nunca los mecanismos para el exterminio masivo de seres humanos y del entorno natural, y donde nadie logra responder a las incógnitas sobre el sentido de haber nacido.

En 1983, el filósofo francés Gilles Lipovetsky, previó todos estos ritos crepusculares en un libro titulado “La era del vacío”. Resaltaba que hoy la gente quiere vivir enseguida, aquí y ahora, conservarse joven y no ya forjar el hombre nuevo anunciado otrora por profetas y visionarios. Y agregaba que ya ninguna ideología política es capaz de entusiasmar a las masas, que la sociedad posmoderna no tiene ni ídolo ni tabú, ni tan sólo una imagen gloriosa de sí misma, ningún proyecto histórico movilizador: “estamos regidos por el vacío, un vacío que no comporta, sin embargo, ni tragedia ni apocalipsis”.

En medio de este torbellino, dos detalles retrospectivos indican que jóvenes de ayer y de hoy están tratando de recuperar un tiempo que aparentemente fue hermoso. En el mundo se vende a raudales una compilación discográfica de una banda británica disuelta en 1970 (Los Beatles) y por aquí se apuesta al regreso de otro conjunto que acabó en 1975 (Sui Generis). No por azar, en la banda sonora del multilaureado film “Belleza americana” aparece el “Because” (Por qué) de Lennon y McCartney, y una balada del folk-singer Neil Young, que dice: “No te dejes desanimar, son sólo castillos lo que está ardiendo”.

Locos por vivir, locos por amar, locos por salvarse, los jóvenes resisten como pueden los embates del desamparo material y moral pues así como todo está permitido, todo se volvió intangible. Y empiezan a descubrir que el momento más oscuro de la noche se presenta en el instante que precede el amanecer.

16 de mayo de 2009


La Conspiración

Espiritual


En la superficie del mundo, en este momento
hay guerra y violencia y todo se ve oscuro.
Pero calma y silenciosamente, a un mismo tiempo
algo más está ocurriendo en forma subterránea.

Una revolución interior está sucediendo
y ciertos individuos están siendo llamados hacia una luz más alta.
Es una revolución silenciosa
Desde adentro. Desde Abajo
Esta es una operación global
Una Conspiración espiritual

Hay células dormidas en cada nación del planeta.
No puedes vernos en T.V.
no leerás acerca de nosotr@s en los diarios
ni nos escucharás en la radio.
No buscamos ninguna gloria
No usamos ningún uniforme

Somos de todas formas y tamaños, colores y estilos
La mayoría de nosotr@s trabaja en forma anónima
Trabajamos silenciosamente detrás de la escena
en cada país y cultura del mundo
en ciudades pequeñas y grandes, montañas y valles
en granjas y villas, en tribus e islas remotas
puedes cruzarte con nosotr@s en la calle
y no darte cuenta.

No nos preocupa quedarnos con el crédito final
sino simplemente que el trabajo sea hecho.
Ocasionalmente nos vemos unos a otros en la calle
nos saludamos con un imperceptible guiño
y continuamos nuestro camino.
Durante el día, much@s de nosotr@s fingimos tener trabajos normales
pero detrás de la falsa fachada, durante la noche
es donde el trabajo real tiene lugar.

Algunas personas nos llaman la “Armada Consciente”
Nosotr@s estamos creando un nuevo mundo, lentamente
con el poder de nuestras mentes y corazones.
Seguimos con pasión, amor y gozo,
Las órdenes que provienen de la Central de Inteligencia Espiritual
Colocamos secretas bombas de amor, cuando nadie nos mira
Bombas de poesía, abrazos, música, fotografías, películas, palabras amables, sonrisas, oración, meditación, danza, activismo social, websites, blogs, actos de belleza…

Cada un@ de nosotr@s se expresa a su propia, única manera
Con nuestros dones y talentos únicos.
“Conviértete en el cambio que deseas ver en el mundo”.
Ese es el lema que llena nuestros corazones.
Sabemos que es el único camino para producir una real transformación
Sabemos que silenciosa y humildemente
tenemos el poder de todos los océanos

Nuestro trabajo es lento y meticuloso
como la formación de las montañas
y no es visible a simple vista
pero mueve placas tectónicas enteras.
Como se moverán en los siglos que vendrán.

El Amor es la nueva religión del Siglo XXI.
No necesitas ser una persona exquisitamente educada
ni tener ningún conocimiento excepcional para entenderlo.
Proviene de la inteligencia del corazón
imbuido del pulso evolucionario sin tiempo de todos los seres

“Conviértete en el cambio que deseas ver en el mundo”

Nadie más puede hacerlo por ti.
Ahora estamos reclutando.
Quizás te unas a nosotr@s
O quizás ya lo estés…

Tod@s son bienvenid@s

La puerta está abierta…

ANÓNIMO




http://espiritualidadypolitica.blogspot.com/

PINO MARRONE - Reportaje Entero





Reportaje Completo - Versión online sin editar para el último numero de la revista argentina Guitarristas y Bajistas.ar

por Carlos Duppa


Qué recuerdos tenés de tu pasado roquero?

Los recuerdos son fantásticos y estan directamente ligados a esa epoca fundacional y todo lo que significaba ser un músico de rock en ese momento en el que había mucha abundancia creativa bajo ese mismo rótulo.
Cuando tenía 16 años comencé a ensayar con Crucis, ensayábamos 8 horas por día y organizábamos nuestros propios conciertos donde podíamos, salíamos nosotros mismos a pegar carteles por la calle para promocionarlos-muchas veces terminábamos con las manos contra la pared o arrestados!-pero así era la pasión del momento. A los dieciocho años, me encontré parado ante miles de personas que escuchaban la música que hasta hacía muy poco tiempo conocíamos sólo tres amigos y yo dentro de una sala de ensayo. Tocar la música que para nosotros era una expresión muy personal y experimental para tanta gente y que respondieran en forma tan positiva era una experiencia increiblemente excitante. Nunca fue nuestra intención hacer un tipo de proyecto o producto determinado en terminos de estilo o mercado. Mi sensación era más la de ser parte de un grupo de músicos que simplemente tocaba lo que sentía y realmente no recuerdo que nos llamáramos "rockeros" a nosotros mismos. Algo que recuerdo muy bien es como con Crucis y la mayoría de los musicos en esos años subíamos al escenario realmente muertos de ganas de tocar! La música y actitud de esa época sigue siendo una parte importante de mi presente en espíritu, simplemente en ese momento mi intuición, intereses musicales y necesidades encontraron ahí el vehículo principal de expresión.

Como se dio tu enamoramiento con el jazz?

Escucho jazz desde muy chico, mi padre era fan de Django Reinhardt y Louis Armstrong y hacia fines de los '60, aparte de Los Beatles, mi fascinacion se extendio hacia otros vehiculos de improvisacion a traves de la música del festival Woodstock y altas dosis de blues como B.B.King, Johnny Winter, Clapton y Peter Green. Creo que esto fue clave porque me dio la posibilidad de zapar desde los 12 años con los pocos elementos que tenia a mi disposicion y un acercamiento al Rhythm & Blues que facilito muchisimo mi acercamiento al jazz años mas tarde.

También a esa edad tuve la suerte de tener algunos amigos con hermanos mayores que me expusieron a Joe Pass, Wes Montgomery, John Coltrane, Ornette Coleman, Ravi Shankar y bastante bossa nova. Pasabamos horas y horas escuchando musica- lo cual nunca deje de hacer y es uno de mis grandes placeres!- Aunque mi sensibilidad como musico a esa edad era mayormente rockera, tambien moría por tocar algo de jazz, soniaba con reproducir alguna línea de Joe Pass o algun acorde de Wes, por ejemplo. Pero en Buenos Aires, en esa epoca todavia no era nada fácil encontrar acceso a ese tipo de instrucción. Y hacia mediados de los '70 estaba tan involucrado con Crucis que mis estudios de jazz quedaron en la hornalla de atrás por un tiempo. Como te decia, siempre me apasionó la improvisación, crecí zapando en la gran tradición de jams de rock tipo Hendrix, Cream, Santana, Allman Brothers. Años después, al estar tan en contacto con el jazz en USA lo fui transformando lentamente en una continuación de mi búsqueda. Explorar el lenguaje del jazz me resultó y sigue resultándome fascinante, la pasión se ha ido acentuando aún más al tocar con músicos cada vez más interesantes, sofisticados y con mucha más experiencia que yo.

Qué conocimientos musicales y espirituales adquiriste con el jazz?

Desde el punto de vista musical estudiar la teoria y la practica del jazz es para mi la manera mas intima de aprender la relacion entre melodia, armonia y ritmo en tu instrumento. Un buen improvisador de be-bop, por ejemplo, involucra activa y simultaneamente todos los elementos principales de la musica, no solo interpreta una parte, sino que al improvisar be-bop aunque toque a capella se escucha claramente la progresion de acordes, se siente el ritmo mientras que al mismo tiempo se es espontaneo y creativo. Tambien, siempre me fascino el caracter narrativo de los mejores solos, continuar las ideas melodicas con fluidez a traves de la forma de un tema y transformar oraciones en parrafos y luego en relatos.

El aspecto espiritual, en mi caso tuvo que ver mas especificamente con mi relacion con Joe Diorio como maestro y amigo desde hace ya mas de dos decadas. Joe me ayudo a descubrir mas a fondo mi lado espiritual y la relacion que esto tiene con hacer musica. Tambien, a mediados de los 80's me introdujo a la filosofia oriental regalandome libros de Hazrat Inayat Khan, Swami Vivekananda, Paramahansa Yogananda y Osho, los cuales realmente me enriquecieron muchisimo.

Al comenzar a relacionarme con algunos de los mejores musicos de jazz en USA desde fines de los 70's hasta el dia de hoy, no dejo de sorprenderme y aliviarme al mismo tiempo el comprobar cuantos musicos del mas alto calibre mantienen una cualidad informal y con los pies en la tierra como seres humanos, y hablo de artistas legendarios con mucho nombre e historia con los que podes mantener una charla en cualquier lado. La idea del "gran artista" en una torre de marfil es infinitamente menor en el jazz que en el rock, por ejemplo. Ese comportamiento simplemente no forma parte de su modus operandi. Artistas del calibre de Joe Pass, Joe Diorio, Bill Frisell, Jim Hall, por solo nombrar a algunos que conozco mas o menos bien, son personas de una humildad muy dificil de encontrar en la mayoria de los musicos de rock, por ejemplo, y generalmente incluye otra tabla de valores. Para mi, habiendo pasado mis primeros años como musico de rock rodeado de primas donnas sobrevaluados como genios locales, este hallazgo me creo un gran alivio y me reencontro con algo del espiritu creativo original que originalmente me impulso a hacer musica.

Con qué maestros estudiaste ese genero?

Tuve la gran suerte de estudiar de manera privada con Joe Diorio y Ted Greene, dos maestros extraordinarios y geniales, con todo el conocimiento academico pero por sobre todas las cosas, una gran experiencia de vida y calle, musicalmente intrepidos y llenos de ideas originales para compartir, especialmente en terminos de lo que se puede lograr en la guitarra si uno realmente esta dispuesto a invertir el tiempo necesario. A principios de los 80' compre el libro "21st Century Intervallic Designs" de Joe, cuyas ideas radicales abrieron mi cabeza, dedos y oídos a niveles inexplicables (tambien abrieron los de Pat Metheny, Jaco Pastorius y Mike Stern entre muchos otros). Joe no solo posee una habilidad única como improvisador, pero las ideas que forman parte de su vocabulario son increiblemente originales y audaces. Algunos años más tarde, en el '83 lo llamé para tomar clases privadas. Fue como aterrizar en Marte, me impresionó lo exótico, libre e inusual de su estilo, de sus ideas y especialmente como las ejecutaba! Nunca había escuchado algo así y menos en un guitarrista, y su generosidad compartiendo sus conocimientos no tiene par. Unos años más tarde me tomó bajo su ala como discipulo y pase varios años en su oficina de G.I.T. en Hollywood a su lado no menos de dos veces por semana en sesiones de 8 horas por dia, pasabamos el tiempo tocando, escuchando música, almorzabamos juntos, charlando horas sobre la creatividad y observando la vida. He tenido la suerte de estar en contacto permanente con él y de tocar conciertos en vivo en USA hasta el día de hoy. Hace un par de años tuvo un derrame cerebral que lo dejo sin movilidad en su lado izquierdo pero salió y ya esta practicamente recuperado, y puede tocar nuevamente, Joe es un espiritu muy potente. La verdad es que a veces pienso que no se que hubiese sido de mi a muchos niveles si no fuese por Joe con todo lo que me dio y ayudo, incluyendo recomendaciones a nivel laboral, gracias a el entre como instructor en G.I.T. y Grove School of Music en California.

Tambien tomé clases privadas con Ted Greene entre los años 84 y 92 pero no semanalmente, eran más como consultas espaciadas a traves de los años. Ted era otro artista muy especial, no sólo por su concepto armónico en la guitarra, el cual es muy desarrollado y le abrió nuevos horizontes a muchisimos guitarristas, sino también por su mente, su visión y su forma de vida. El hecho de que Ted haya grabado tan poco y casi nunca haya salido de gira hace que su trabajo se asocie automaticamente a los aspectos teoricos que cubrio tan a fondo en sus libros como Chord Chemistry y otros. Pero como artista tenia una profundidad en su manera de tocar, con ese llanto que se escucha al final de sus acordes tan resonantes, la alegria de su sentido de ritmo, ese timbre precioso y el toque delicado que hacia sonar las notas como campanitas de terciopelo, transformandolo en uno de los guitaristas con mas alma que escuche en mi vida.

Algo particularmente especial en Ted como maestro es que su estilo revelaba las posibilidades orquestales que posee la guitarra. No se cansaba de indicarme que si uno esta dispuesto a invertir el tiempo y el esfuerzo, se pueden entrenar nuestros dedos para tocar practicamente cualquier cosa que uno imagine. Durante las lecciones, aparte de expandir mis posibilidades armonicas, me ensenio a trascender el instrumento y a pensar como un arreglador. Palabras como textura, contrapunto y registro, dejaron de ser simplemente palabras para pasar a formar parte de mi vocabulario. Pero por sobre todas las cosas Ted fue uno de los ejemplos vivos de la dignidad y belleza de la ensenianza como forma de vida y no solamente como manera de ganarse la vida. Este aspecto jugo un rol fundamental en que yo dedique gran parte de mi vida a esta tarea. Tambien quiero marcar que aunque Joe y Ted son los únicos con quienes tomé clases formalmente, no podría dejar de mencionar tambien las horas y horas que he pasado tocando informalmente con mi querido amigo John Pisano y tambien con Joe Pass a través de los años o simplemente escuchándolos tocar y hablar de música y guitarra. También mi experiencia enseñando en GIT/MI me dio la oportunidad de estar en contacto permanente con los mejores guitarristas e instructores del mundo, famosos y no famosos.

Como fueron tus experiencias de trabajo en EEUU en las diversas propuestas artísticas?

Llegue a USA a fines del '77 a los 20 años, unos pocos meses despues de la separacion de Crucis. Baje del avion con una mente realmente abierta, muchos signos de pregunta y muchas ganas de aprender y sumergirme en el total de la experiencia tanto en lo musical como de vida que me esperaba. Desde el primer momento me quedo claro algo que sigo comprobando hasta hoy en dia y no deja de maravillarme, en USA un buen musico aprende desde un principio a interactuar de forma fluida y creativa en entornos musicales diferentes, alcanzar ese tipo de maestria le toma muchisimos años a un musico joven con dedos rapidos. Me refiero a algo que definitivamente trasciende el hecho de simplemente tocar bien la guitarra, por ejemplo desarrollar la habilidad de poder aportar algo valioso y crear una parte interesante y util para tocar de acuerdo a cada situacion . Mi experiencia en la mayoria de los proyectos, desde tocar musica country en un bar para 20 personas hasta grabar con Dianne Reeves junto a John Pattituci y Kenny Kirkland, o escribir y ejecutar la musica de la serie televisiva American Chronicles producida por David Lynch junto a Jimmy Haslip y Casey Scheuerell por ejemplo, tienen algo en comun y es que a diferencia del estilo de trabajo argentino, mas derivado de un concepto europeo en el que el artista o productor escribe o le pasa todas las partes a todos los instrumentos de manera detallada, en USA se trabaja con menos cantidad de notas escritas y se le da mas importancia al casting, se espera mas input de la personalidad musical de los musicos que se eligen. Es una manera de trabajar que requiere de creatividad y vuelo en tiempo real.



Como se dio el hecho de colaborar con la revista Guitar Player?

A mediados de los '90, John Stowell, un guitarrista de Portland-Oregon que estaba escribiendo articulos freelance para la revista me comento que en ese momento estaban buscando nuevos columnistas y me sugirio que les envie un articulo a ver si les interesaba. Me parecio que el asunto estaria dificil ya que como lector y fan de la revista desde el 72' creo haber visto articulos excelentes sobre practicamente todo lo que existe! Pero el me dijo que como yo habia enseniado M.I y Grove School of Music, tenia mas que suficiente experiencia y credenciales como para que por lo menos me tomen en serio y revisen el articulo. Asi que, ya residiendo en Buenos Aires, fui al correo como hijo de vecino -alla todavia existe el "hijo de vecino"- y a los 4 meses recibi un cheque y un contrato por mi primer articulo! No te imaginas la alegria! Y hasta el dia de hoy sigo colaborando ocasionalmente despues de 10 años, y la verdad que mi interaccion con ellos es un verdadero placer, creo que hasta ahora ha habido bastante quimica, basicamente yo escribo lo que me parece y a ellos evidentemente les gusta el estilo con que presento los temas, nadie tiene que convencer a nadie de nada y nunca me pidieron que cambie ni una nota. La verdad es que lo de empujar y tratar de convencer gente o intentar manipularlos para que "les guste" algo que yo haga a mi nunca me funciono.

Para acceder a una lección Pino en Guitar Player visita:
http://www.guitarplayer.com/article/parallel-linesthe-inside/May-06/20098

Cuales son los proyectos actuales inmediatos?

Durante los ultimos 5 años he estado tocando bastante en vivo con Gabriela como guitarrista y director musical,
http://www.gabrielamusic.net/ llevando a los escenarios la musica que desde hace mas de una decada ella esta grabando en USA junto a Bill Frisell y un grupo fascinante de musicos de vanguardia y con los que realmente creo esta haciendo un aporte creativo que revitaliza la larga tradicion de cantante-compositor, estos son trabajos experimentales desde varios puntos, que reunen algunos de los elementos y sistema de valores que yo personalmente transite desde el rock de los '70 hasta el tipo de jazz al que me dedico hoy en dia, son canciones con formas inusuales, abundancia timbrica, melodias memorables y letras profundamente poeticas que sin ser planeadas de esa manera, combinan sensibilidades a las que me puedo plegar con mucha naturalidad. Este proyecto para mi en lo artistico ha sido fascinante y me ha dado una oportunidad extraordinaria de interactuar con una constelacion de musicos siempre en desarrollo que ha incluido a los bajistas Viktor Krauss, Abe Laboriel, Alex Acuna y el violinista Jesse Zubot, entre otros, tocando en algunos de los escenarios mas prestigiosos del mundo, incluida una memorable actuacion en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, definitivamente de los momentos mas elevedos de mi vida musical desde todo punto de vista . Tambien hicimos algunas actuaciones magicas en Buenos Aires que espero se presente la posibilidad de repetir.

En este preciso momento estoy haciendo un parentesis de tocar en vivo o grabar para profundizar mas aun en un aspecto en particular de mi vida musical que es el de la ensenianza privada. Esta practica representa la interseccion de 4 pasiones, tocar musica, practicar, investigar y enseniar musica e improvisacion. Es un tema muy vasto y fascinante y realmente estoy disfrutando muchisimo este momento explorando aun mas a fondo el tema y compartiendo mis descubrimientos y experiencias con otros musicos interesados. Sigo tratando de crear un ambiente de aprendizaje que aparte de enseniar tecnicas y teorias tambien despierte la mejor de cada musico que pasa por mi estudio y en lo posible extender los limites diarios abriendo camino a nuevas ideas, actitudes y perspectivas. Tuve la suerte de que muchos musicos de talla mundial compartan conmigo generosamente sus conocimientos y muchas de sus experiencias y me encanta poder hacer lo mismo con otros musicos interesados.



Como ves el JAZZ de nuestro país en la actualidad?

No estoy realmente familiarizado a fondo como quizas deberia con la escena local como para emitir una opinion, en Buenos Aires siempre hay algun artista haciendo algo interesante en diferentes estilos, como por ejemplo Quique Sinesi, que aunque no se lo podria rotular como jazz, hace una musica muy personal y elevada que me llega muchisimo. Obviamente hay mas gente que nunca en el mundo tocando bien sus instrumentos debido a lo accesible que por suerte se han hecho la informacion y la cantidad de musicos que estudiaron en las mejores escuelas en el exterior y Buenos Aires logicamente no es la excepcion, pero en terminos muy generales la manera de tocar jazz que escucho ocasionalmente me suena un poco rigida y cerebral, sin suficientes elementos atractivos de los que a mi me gustan, incluida la soltura, actitud y sonido. Algo parecido me sucede con mucho del jazz europeo aunque no tanto debido a la interaccion permanente con musicos americanos, me aburre no importa cuan genios sean. El tipo de jazz que a mi me gusta, tiene sus raices en el blues y el swing y siempre salio de su cuna en USA hasta el dia de hoy. Brad Meldhau, Bill Frisell, Keith Jarrett, Pat Metheny, Paul Motian, Sonny Rollins, Herbie Hancock, Wayne Shorter y todos sus colaboradores son algunos de mis favoritos entre los tantos que estan tocando activamente hoy en dia.


Podés dar algún consejo para los guitarristas estudiantes y apasionados a este club?

Es importante que se conecten con la musica de una manera mas directa, hay mucho para aprender sobre ejecucion, improvisacion y composicion yendo directamente a las fuentes y copiando frases, ideas, sonidos y formas de interaccion grupal escuchando grabaciones durante horas. En este proceso, inconscientemente se nutre la imaginacion y musicalidad y se produce una conexion emocional mas intima y directa con la musica. Esas ideas eventualmente son digeridas a traves de horas de practica y se aplican de manera instintiva en la musica o proyectos en que participes, asi trabajabamos con Crucis desde muy jovenes, y de esa misma manera se desarrollan principalmente los grandes artistas de estilos diferentes.

Hay un monton de trabajo fisico y teorico enriquecedor y estimulante para aprender y desarrollar en la guitarra, pero aunque esto varia de un estilo a otro no creo necesario tener que estudiar muchos años formalmente para poder expresarse y tocar algo que te cause sastifaccion y suene musical, el proceso de aprendizaje institucional puede ser imprescindible para Ingenieria, por ejemplo, pero la musica es un fenomento artistico diferente y mucho mas dinamico. Creo mucho en los resultados del trabajo, investigacion personal y estudio apasionado. Otro de los bloqueos mas comunes que detecto en guitarristas mas jovenes es el de sentirse demasiado condicionados por su entorno en asuntos como que estilo de musica deben tocar, como si hubiese alguna regla al respecto, planteos como si lo que haces es suficientemente complejo como para ser tomado enserio, si es nacional, nuevo o de vanguardia para ser validado o aprobado, todo eso es ruido intelectual que interfiere con la verdadera experiencia de disfrutar la musica que a uno realmente le gusta tocar.

La buena musica no tiene estilo o fecha de vencimiento y tampoco consiste en un campeonato o en un banco de datos para acumular. Es una forma de arte y de expresion a la que se le saca solo lo que se pone en ella. Si realmente tienen un compromiso genuino los resultados empiezan a ocurrir. Hacer musica, para mi se trata tambien de crecer espiritualmente, al pasar suficiente cantidad de tiempo con la musica uno tambien recibe muchas respuestas a nivel espiritual.

Empiecen por preguntarse, por ejemplo: "Cual es la ultima vez que sintieron que se estaban expresando al tocar?" Quizas lo hacian mas seguido antes de ponerse a estudiar formalmente de manera obsesiva, si es asi, entonces habra que balancear las cosas regresando mas seguido a ese lugar y probar de nuevo. Todos los dias traten de generar momentos en que se expresen tocando, de esa manera tambien iran digiriendo todo lo que vayan aprendiendo y podran llevar su musica a un lugar que quizas todavia muchos no conozcan. Es un acto de fe, como bucear mas a fondo y confiar en que tu intuicion te guiara hacia la direccion indicada para vos.

Salteando esos obstaculos la musica puede alcanzar un lugar mas elevado, musicalmente mas jugoso, y uno empieza a dejar atras un monton de elementos que en un momento parecian importantes, lo se por experiencia propia y la unica manera de aprenderlo es haciendolo, cuanto mas profundo buceas, mas alto llegas. Es lo opuesto a pasarnos la vida practicando rudimentos tecnicos en el instrumento o de obsesionarnos demasiado con conceptos teoricos que estamos aprendiendo, no olvidemos que esos son solo elementos, una parte importante pero quizas un poco mas superficial, lo que digo tiene mas que ver con cuan profundamente te podes expresar tocando UNA nota, pueden tocar UNA nota? Y con ella conmover aunque sea a una persona? Esa creo que es nuestra meta, creo que deberiamos buscar mas por ese lado y creo que esta mas cerca de lo que nos imaginamos. Observenlo mas a fondo la proxima vez que escuchen a Hendrix, por ejemplo, Jimi podia tocar una nota y ponernos la piel de gallina, Ravi Shankar logra lo mismo, John Coltrane tambien, un solo compas de los Beatles y todo se vuelve multicolor, obviemente estos son algunos de mis favoritos y cada uno tiene los suyos, pero observen como estos artistas pueden llevar la musica a niveles de piel de gallina, ese creo es el desafio, no tiene nada que ver con tocar lento o rapido o disonante para parecer moderno, ni folklorico para poder ser mas argentino ni hacer ruidos histericos con tu instrumento para ser considerado vanguardista. Ese camino aparte de no ser deseable ni placentero, es solamente de ida y tiene vida corta.

Cuál es tu equipamiento en este momento y tu criterio con respecto al sonido?

Durante casi 20 años estuve usando un intrumento muy especial construido por un luthier extraordinario llamado Steve Klein que vive en Sonoma, en las afueras de San Francisco. Desde los años 70 Steve es uno de los top luthiers de guitarras acústicas con cuerdas de metal, gente como Joni Mitchell y David Crosby tocan Kleins desde hace mas de 30 años. Mi instrumento es el único modelo eléctrico que Steve diseñó y se caracteriza por su diseño ergonómico, es tan fácil tocar este instrumento con su balance perfecto que lo he estado tocando casi exclusivamente por casi 20 años, la verdad es que no he podido tocar ninguna otra guitarra con esta facilidad. Tambien posee una estabilidad inusual, uno puede afinarla en casa, salir al aeropuerto, viajar por 24 horas, aparecer en otro clima y al llegar a destino la guitarra sigue afinada! Eso no tiene precio. En este momento también estoy entusiasmadísimo tocando una Gretsch Country Gentleman antigua, el modelo que tocaba George Harrison con Los Beatles en los primeros años y estoy fascinado con las posibilidades tonales que ofrece, combinada con mi manera de tocar musica hoy en dia. Es una maquina maravillosa de generar timbres y colores exoticos y con un look que te diria que ya tiene swing antes de tocarla! Tambien ultimamente estoy tocando una D'Angelico Excel, que me regalo Jimmy Wyble - genio del contrapunto, autor del famoso libro "The Art of Two Line Improvising" y una verdadera leyenda de la guitarra de jazz- este instrumento no se parece a ningun otro que haya tocado en mi vida, acústicamente es una delicia y tiene mucho volumen, enchufada suena muy cálida y líquida al mismo tiempo, con su pickup Ken Armstong flotante modelo Johnny Smith. Ahora, mas alla de los tonos y vibras de cada instrumento, sin dudas a la hora de subirme a un avión para un proyecto la Klein es la que viene conmigo. Hace dos decadas que toco en stereo, realmente me encanta el ambiente y la presencia que se genera, mi preamp principal es un Pearce Stereo Solid State junto a una potencia Carver y dos cajas con parlantes Electrovoice de 12". Cuando viajo y tengo que hacer un rider pido dos Fender Twin Reverb que abro en stereo con un reverb digital y tambien a veces con un Guyatone VTX Flip Tube Vintage Tremolo stereo realmente hipnótico.


Links Relacionados:

http://www.pinomarrone.com/
http://www.myspace.com/pinomarrone
http://www.gabrielamusic.net/
http://www.myspace.com/gabrielamusicnet
http://www.myspace.com/crucis1976
http://www.guitarplayer.com
http://tedgreene.com/
http://www.myspace.com/joedioriomusic
http://www.mi.edu/
http://www.songtone.com/
http://www.myspace.com/billfrisellofficial
www.guitarristasar.com.ar

Premio N’Aitún 2008


Juez Juan Guzmán y escritor argentino Miguel Grinberg son premiados en casa de Neruda


Junto al periodista Miguel Ángel San Martín y el Colegio El Tabo, serán distinguidos por la Corporación de Artistas Pro Ecología, junto a la Fundación que lleva el nombre del poeta.

SANTIAGO, febrero 29.- Este sábado 1 de marzo, en una ceremonia a la que asistirán destacados artistas, ecologistas y autoridades, se entregará el Premio N’Aitún de este año.

La Corporación Cultural de Artistas Pro Ecología en coordinación con la Fundación Pablo Neruda desde hace trece años entrega un reconocimiento a personas y/o organizaciones, de cualquier índole y nacionalidad, que desde su quehacer han contribuido a la preservación, prevención e investigación del medio ambiente desde una mirada ecológica e integradora con el arte.

Este año 2008 se hizo merecedor de este reconocimiento el juez Juan Guzmán, el colegio El Tabo, al periodista Miguel Angel San Martín y el escritor argentino Miguel Grinberg. “Un grupo de destacados artistas y profesionales trabajó para premiar públicamente a aquellos que están en su vida diaria preocupados de mejorar, defender y recuperar nuestro entorno bajo los parámetros nerudianos”, afirma Cristina Pizarro, presidenta de la Corporación Cultural Artistas Pro Ecología.

En el marco de la ceremonia se inaugurará la exposición “Arte y Naturaleza” de destacados artistas, pintores, escultores y fotógrafos de estos artistas Pro Ecología.

Sobre el premio N’áitún
Se instituyó en 1996 y por más de una década los reconocimientos consistieron en obras de arte donadas por los artistas que integran la Corporación. Así por ejemplo se entregaron obras de Roberto Pohlhammer, Francisco Gazitúa, José Andrés Gana, José Balmes, Ricardo Mesa, Gracia Barrios, Alex Chellew, Marcela Romagnoli, Sergio Amunátegui, entre muchos otros.

Se han distinguido a personas y organizaciones nacionales así como también internacionales: Adriana Hoffmann, Guido Girardi, Mary Anne Muller, Marcel Claude, Humberto Maturana, el norteamericano Douglas Tompkins, Green Peace Pacifico Sur (U.S.A.), el francés Equipe Jacques Cousteau y el Juez Baltasar Garzón, por nombrar algunos.

Desde el año 2006 se entrega al premiado una escultura de un torso creado en malla y fundido en bronce, obra del destacado artista fallecido Ricardo Mesa.

Los premiados

· El Juez Juan Guzmán Tapia: por su larga trayectoria y destacado aporte al Derecho y a la defensa de quienes fueron víctimas de tortura y desaparición, al declarar la figura legal de secuestro permanente.

· Colegio el Tabo: por su innovación pedagógica y estímulo para la enseñanza y desarrollo personal de los niños y de toda la comunidad educacional a través de diversas actividades.

· Miguel Ángel San Martín, periodista y locutor de la U. de Concepción y de la U. de Chile: por su vasta trayectoria y aporte en las comunicaciones chilenas y españolas.

· Miguel Grinberg, premio internacional: Por sus numerosas iniciativas de ecología social, educación para la paz y una dinámica de meditación integral enfocada en el desarrollo natural del potencial intuitivo. Asimismo, es el mayor generador de literatura espiritual en idioma español.

http://www.terra.cl/

Consultas:
-Moira Brncic, Directora Ejecutiva 09- 6414866; (35)461044, mail: poetamom@yahoo.es , campanarioazul@yahoo.es
-ARTISTAS PRO ECOLOGIA Lomas de la Burra 7 Isla Negra fono-fax: (35) 469062, Presidenta, Cristina Pizarro. e-mail:arteco@chilesat.net Home-page www.geocities.com/artistasproecologia/
Casa Museo “Pablo Neruda”: (35)461284

9 de mayo de 2009

Sebastián Volco, tras la pista del rock perdido



Multifacético y renacentista, Volco trabajó, entre otros, con Fantasmagoria, Mataplantas y Pablo Dacal, zapó con Charly García y Pappo y tiene cuatro discos como solista.

29.Feb.08 Basta repasar los créditos del último álbum de Sebastián Volco, Fiebre de Rock N’ Roll (2007), para advertir que se trata de un músico que ha recorrido un interesante trayecto: Gori, de Fantasmagoria, y Pablo Dacal (sin La Orquesta de Salón, en este caso) contribuyen en coros y otro Pablo, Grinjot (sin la Ludwig Van), suma su violín. Esto se debe a que nuestro protagonista guarda una extensa gama de contribuciones en sus alforjas. En 2005 produjo el debut de Mataplantas, El Sueño del Hombre Pulpo, agrupación a la que ya conocía desde los días en que se hacían llamar Barbara Feldon (nombre que, para quienes no lo recuerden, es el de la actriz que encarnó a la ‘99’, la escudera y luego esposa de Maxwell Smart, el agente ‘86’). Ese mismo año, tocó el piano en “La mala reputación” y “Los girasoles”, dos exquisitas canciones de 13 Grandes Éxitos, registro de estudio de Dacal (ahora sí con su orquesta). Como productor e instrumentista también se vinculó a Javier Martínez, baterista y cantante del fundacional power-trío Manal. Con él, además, fueron dueños de ‘Evenos’, un bar que ahora es...¡el C.B.G.B. local! La lista de amigos músicos es infinita. Fernando Samalea (bandoneón), Mauro Mourelos (trompetista del Gordöloco Trío) y Sami Abadi (violín), por ejemplo, sumaron sus nombres a Liquidándome en el Agua, el bautismo de fuego de Volco, grabado en 1999 y co-producido junto a Tweety González. Pájaros sin Patas (2003) y el EP Ritual (2006), completan su discografía como solista. Sus cuatros discos, si algo demuestran, es una voracidad estilística refinada. Su música, como la de Babasónicos o Pez, toma algunos de los elementos más ricos de los ’60 y ’70 y los pasa por el tamiz del presente para cocinar un puchero atemporal. Las etiquetas que tal vez mejor le queden son las de ‘rock psicodélico’ o ‘pop sinfónico’ pero, como sucede con cualquier reduccionismo, ellas sólo cuentan una parte de la historia.

El prisma de Sebastián sólo se hace evidente cuando se mira con los oídos. Para facilitar ese paso, de su página oficial puede descargarse gratuitamente todos sus cd’s (completos y con arte incluído). Una iniciativa, por cierto, que cada vez más artistas tienen. Fantasmagoria, sin ir más lejos, banda con la que él comparte estudios y escenarios, distribuye sin cargo a través de su web el EP Clearance (2004). Volco y Gori también suman fuerzas asiduamente en Gorianópolis, uno de los proyectos paralelos del líder fantasmagórico. Su primer disco, homónimo, del 2002, se consigue sin poner un peso sobre la mesa cortesía de Mandarinas Records, sello virtual que también ofrece álbumes de Sr. Tomate, Zorros Petardos Salvajes y Rubín, entre muchos otros. La Cuerda Floja (2007) es el segundo. Pueden hallarlo zipeado y listo para engrosar sus rígidos en el sitio oficial de la banda. Si todo esto los deja con ganas de más, El Monte Análogo, programa de radio y editora, brinda la oportunidad de obtener a cambio de nada una grabación del show que Gorianópolis brindó el 22 de diciembre de 2007 en El Nacional (Av. Corrientes 960, Cdad. de Bs. As., ARG). En ese site podrán hallar, a su vez, el concierto que Emiliano Martínez dio ese mismo día y su primer álbum de estudio, Mi Tumba en la Luna (2007). Otros folkies que ponen su discografía completa a disposición de quien esté interesado son los Verdeoscuro. El dúo, que teloneó a José González el pasado 27 de enero en La Trastienda, permite la descarga gratuita de su EP (2004), sus singles (2005) y su primer larga duración (Bandido, de 2007) y deja al libre juicio de cada uno la opción de contribuir con algún monto de dinero vía PayPal. Por último y para no irnos por la ramas mucho más de lo que ya lo hemos hecho, cabe destacar también el esfuerzo del sello Mamushka Dogs Records que ofrece en su site grabaciones completas “free of charge” de Go-Neko!, Banda de Turistas, Prietto Viaja Al Cosmos Con Mariano y The Baseball Furies, entre otros.

Regreso a Volco. El viernes 15 de febrero se lo pudo ver en Kika (Honduras 5339, Cdad. de Bs. As., ARG), acompañando en teclados a sus inseparables amigos de Fantasmagoria. El escenario lo llama y él acude, gustoso, como en aquellas interminables noches del bar Planeta Júpiter, zapando junto a Charly y Pappo. Donde haya música, allí lo encontrarán, siempre dispuesto a izar las viejas buenas banderas.


Otras vías de contacto: Myspace, Fotolog, Youtube.